El pericote es el nombre que reciben dos bailes tradicionales,
uno de la comarca de Liébana (Cantabria) y otro del concejo de Llanes en Asturias.
El nombre proviene de la localidad de Cue dónde los «pericos» eran
mujeres que se vestían de hombres para realizar los bailes. De
gran antigüedad, el pericote asturiano nació en esta localidad del
oriente de Asturias
en la que la gente realiza cánticos y giraldillas. Esta va ataviada
con el traje típico de Porruano y de llanisca.Existen
dos versiones del pericote llanisco; el pericote antiguo, y el
pericote tradicional.
El pericote antiguo, surgido o recuperado hace menos de 50 años, se
interpreta casi exclusivamente en las fiestas de La Guía de Llanes.
El pericote tradicional, del que se viene teniendo constancia hace
cientos de años es interpretado, con variaciones, en las demás
fiestas del Concejo.
La mayor parte de las variantes que se ejecutan actualmente no son
femeninas, sino que dos mujeres bailan frente a un hombre. Todos
avanzan y retroceden formando círculos o formando ochos. Ellas
mueven los brazos acompasadamente, de la cintura a la cabeza,
acompañándose de castañuelas. El realiza un paso característico
del Pericote: el “triscu”, consistente en saltar y colocar un
brazo doblado en escuadra, los dedos de la mano sobre el hombro
contrario. El acompañamiento puede ser con tambor, panderetas y cantando romances,
o bien con gaita y tambor.
Según testimonio directo del actual guiador, esta danza fue traída por la familia Guimerá desde Tarragona, de un pueblo llamado El Vendrell durante el siglo XIX.
Aquí se le acopló una música entre tajaraste e isa en un ritmo continuo sin letras
Seguramente la Danza de las Vegas desciende de los Ball de Valencians, o Bailes de Valencianos: Hasta principios del siglo XIX se tiene noticia en diversas poblaciones de toda España de unos grupos de danzarines provenientes del País Valenciano.
El Ball Valenciano, como su nombre indica, es un baile, una danza saltada en la que los danzarines cogidos de las manos dan vueltas, giros y forman figuras, y por último hacen una construcción humana. Las figuras y cuadros que componen el Baile de Valencianos son las siguientes: pasadas, cruzadas, contradanzas de manos, los molinetes, la torre, puntos, la gran estrella, la cadena y la cruz andante. La melodía se compone de 32 compases más 16 compases de percusión del tamboril.
Los Bailes Valencianos no desaparecieron de la comarca de Tarragona, sino que a partir de éstos se desarrollaron lo que actualmente son los famosos Castelli. En los años 90 se ha recuperado el baile original.
Los castillos, figuras formadas por hombres, mujeres, y en la parte superior niños, que van colocándose en equilibrio unos sobre otros hasta alcanzar alturas de hasta nueve pisos, tal como se conocen hoy, no son más que el fruto de una evolución constante de más de dos siglos y que proviene del pequeño castillo que formaban los componentes de estos Bailes de Valencianos al final de su actuación que, con el paso del tiempo, fue ganando en importancia en detrimento del resto de cuadros, hasta que se produjo la diferenciación definitiva entre ambos elementos.
La Danza de las Vegas pues, es posiblemente uno de los últimos ejemplos de estos Bailes Valencianos, seguramente muy modificados al adaptarse a esta Isla.
Otras danzas relacionadas con la de Las Vegas son la de Chimiche, que deriva de la Vegas; y la de San Luis, en Charco del Pino, que probablemente también tiene su origen en la de Las Vegas.
Desarrollo de la Danza
La Danza de Las Vegas se acompaña de guitarras, laúdes, y en ocasiones violín, y del ritmo de las chácaras que tocan los dos chacareros, a la vez que bailan. Los tocadores van vestidos de calle.
La bailan siete personas, sujetas entre sí por unas varas de madera flexible (de hoja de palma) cubiertas con papeles de seda desflecados.
Los siete bailadores se colocan en dos filas simétricas, unidas por el guiador, que va en el centro. El guiador sujeta a una pareja, los de la mano. Cada uno de éstos va unido a otra pareja, los del centro y por último, en los extremos están los chacareros. El guiador va haciendo las figuras, adaptándose a las condiciones de la calle (si es más o menos estrecha elegirá las figuras que mejor convengan) y controlando en todo momento que la danza se desarrolle bien. Hay diversas figuras, como por ejemplo: la estrella; el pase de varas, con el guiador rodilla en tierra mientras los otros bailadores van saltando las varas el resto de los danzadores al mismo paso; pases por debajo de la vara, etc.
La vestimenta de los danzadores, muy colorista, es:
Alpargatas y medias hasta la rodilla, Pantalones bombachos de diferentes colores según el puesto en que se baile, con una banda de tela en la cintura. Camisa blanca y una banda de tela en el pecho, con adorno en el hombro, y que lleva bordado: ìLas Vegasî y que está cruzada uno u otro lado según el lugar en que se baile, excepto el guiador que lleva dos bandas al estar en el centro. Gorro similar a una boina ancha adornada con cintas de colores y escarapela, del mismo color que el pantalón. Los colores de cada bailador son:
El guiador lleva pantalón rojo y bandas roja y azul
Los de la mano pantalón amarillo y bandas azules
Los del centro pantalón rosa y bandas verdes
Los chacareros pantalón verde y bandas rojas
El Moonwalk (del inglés: paso lunar) es un paso de baile
que fue popularizado por el artista Michael Jackson. Consiste en una serie de pasos en el que
se deslizan ambos pies en orden,
y se produce un efecto óptico de deslizamiento hacia delante aunque en
realidad se desplaza hacia atrás.
La primera vez en que dio a conocer el exitoso paso de baile (Moonwalk),
fue durante el concierto de Motown, Pasadena en 1983, mientras cantaba
la canción de "Billie Jean". Aunque en el videoclip "Crosseyed and
Painless" de Talking Heads ya aparecía también.Aunque Michael Jackson lo perfeccionó, lo dio a conocer y lo hizo suyo,
no se tiene la certeza de cual es su origen. Cabe destacar que el propio
Jackson nunca dijo que el Moonwalk fuera invención suya ni se atribuyó
nunca el mérito de su invención.
Los creadores de este paso son los niños afroamericanos de los barrios
del Bronx.
La persona que enseñó a Michael Jackson el paso de baile fue un bailarín
del programa de televisión Soultrain y
después el que le enseñó la mayoría de los pasos a MJ fue Jeffrey
Daniels famoso por sus bailes en los años 70s y principios de los 80s,
pertenecía al grupo Shalamar. Este paso de baile surgió a finales de los
70 y principios de los 80. Parece ser que cuando Michael Jackson vio el
'Moonwalk' en el año 1981 en este programa, quedó sorprendido y comentó
a su mánager, que por aquel entonces era Ron Weisner, si
podría ponerle en contacto con el bailarín.El personaje en cuestión tenía 16 años y se llamaba Geron Candidate
aunque recibía el sobrenombre de Casper. Ambos se conocieron y
Michael Jackson le preguntó por su paso de baile, llamado backslide.
Michael pidió a Casper que se lo enseñara, utilizando una silla como
ayuda. Según Casper, Michael lo aprendió en una hora, aunque todavía le
faltaba práctica. Según Casper fue a ver una actuación de Los Jacksons a
Los Ángeles esperando ver el backslide, sin embargo, Michael
Jackson no lo realizó, alegando que aún no se sentía preparado para
hacerlo en público. Años más tarde, cuando Casper se encontraba viendo
la gala de celebración del 25 aniversario de Motown le
pudo observar hacerlo por primera vez. Decía estar orgulloso de habérselo enseñado aunque señaló que lo que él
había hecho no era el moonwalk sino el backslide. Según
él, el moonwalk es realizado en círculo, por lo que a raíz de
aquello el backslide pasó a tener su actual denominación.
El Danzón es un ritmo y un baile de origen cubano su origen musical proviene de otro género cubano llamado de dos diferentes formas Habanera o danza criolla, el danzón fue creado por el compositor matanceroMiguel Failde y Pérez, en 1879. Forma parte de la música tradicional de Cuba.
El nombre de este género musical no es más que el aumentativo de danza, aquel baile colectivo de figuras. En la segunda mitad del siglo XIX la Habanera o danza criolla estaba muy de moda; se cristalizó entre fines del siglo XIX y principios del XX. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con flauta, violines y percusión cubana. El primer danzón conocido, titulado "Las Alturas de Simpson" se escuchó por vez primera el 1 de enero de 1879 en el Liceo de Matanzas. Lo interpretaba una "orquesta típica" de viento, que contaba con cornetín, un trombón de pistones, un figle, dos clarinetes en DO, dos violines, un contrabajo, dos timbales y un güiro criollo. Dicha orquesta estaba dirigida porMiguel Faílde que era el autor del pupu.
El baile de los bastones es una danza popular muy extendida por Cataluña y Aragón.
Se engloban, bajo este nombre, un conjunto de bailes que utilizan, como elemento principal, uno o dos bastones que se golpean entre sí.
Los orígenes del baile de bastones no están bien definidos.
Hay folkloristas que opinan que proviene de ritos agrarios prehistórios; otras tesis sostienen que su origen proviene de las danzas pírricas griegas; y la tesis más extendida remonta su origen a una evolución de las antiguas batallas mantenidas con espadas.
Pero no cabe duda alguna que el baile de los bastones es la danza tradicional más antigua de las que todavía se bailan en Aragón y Cataluña.
Los bailes fueron muy populares en el siglo XV y persisten en Francia, Italia, Inglaterra y Gales, España y Portugal.
En las culturas del Magreb también hay danzas tradicionales con bastones, y algunos pasos de algunos de ellos se han integrado dentro de la danza del vientre.
En Cataluña y Aragón, la simbología del baile de los bastones es la interpretación de dos bandos luchando, haciendo diferentes movimientos y alternando la lucha con el entrecruzamiento de los bandos que se distinguen por los colores de su vestuario.
Los bastones, elemento esencial para esta danza, están hechos, normalmente, con madera de encina seca, miden unos 40-50 cm. de largo, con un grosor de unos 5 cm. Estas características no son generales, ya que cada grupo tiene sus bastones propios hechos a su gusto.
El vestuario es muy variado según el pueblo, la zona o la formación que ejecuta esta danza, pero hay elementos comunes. El calzado, la típica “espardenya” (zapatilla), pantalones blancos, un faldellín, faja de color, camisa blanca y un pañuelo de color –el que representa a cada grupo- cruzado en el pecho. Algunos grupos no utilizan el faldellín, otros usan pantalones de terciopelo, pañuelos en la cabeza u otros elementos propios de cada lugar.
El bajocamas, figura emblemática del baile de bastones y que consiste en hacer picar los bastones, haciéndolos pasar por debajo de una cama. Los saltos en que los danzantes saltan para picar en el aire con otro, y los golpes en tierra con los bastones, movimiento que algunos folcloristas han interpretado como reminiscencia de ritos de fertilidad a la tierra.
La melodía es un elemento con especial relevancia en el baile de bastones, generado principalmente por los golpes de los bastones y los instrumentos musicales así como por el tintineo de los cascabeles, los golpes en el suelo e, inclusive, los gritos de los danzantes. La combinación de todos estos elementos configura un marco sonoro concreto y propio de cada baile.
Históricamente siempre se ha bailado al son de las chirimías (grallas) y del tabal (timbal).
La música del baile de bastones suele componerse de tonadas sencillas, muchos golpes repetitivos. Algunos bailes de bastones tienen músicas propias pero un gran número utilizan melodías populares o incluso canciones modernas. Hay catalogadas más de mil melodías diferentes que se utilizan como baile de bastones.
La estructura básica de los bailes acostumbra a ser una doble hilera de ocho danzantes, pudiendo añadir grupos adicionales de cuatro danzantes, aunque varios grupos han introducido otras estructuras como el círculo los bailes de seis danzantes. Los bailes suelen ser cortos, de aproximadamente un minuto y el elemento central del baile son los golpes de bastón con los otros danzantes.Durante los bailes se pueden identificar una serie de elementos comunes. Las pasadas como movimientos donde los danzantes se cruzan, pasando en direcciones opuestas y picando para ir a buscar a otro danzante.
La Danza del león es
una forma de bailetradicional de la cultura
china practicada por alguien que imita los movimientos
del león disfrazado de este animal.
Los bailarines deben ser muy ágiles
para realizar los movimientos acrobáticos durante la función. Uno sostiene la
cabeza mientras el segundo maneja el cuerpo del león. Los conjuntos que
realizan las Danzas Chinas del León forman parte frecuentemente de las escuelas
de arte marcial. Las actuaciones chinas de la Danza
del León son durante las celebraciones del Año Nuevo Chino que comienzan el día
de Año Nuevo y continúan durante todas las festividades. Se realizan
típicamente acompañadas por los sonidos de los tambores, gongs y platillos o címbalos.
Los Leones desfilan por las calles
llevando la buena fortuna a todos los que encuentran. Las actuaciones se
realizan en tiendas, restaurantes y negocios.Las tropas del León suelen ir
acompañados de su "Buda Sonriente". Este tipo de vestido en una
túnica y máscara, que atrae y fastidia al león con un abanico para hacerle
saltar, rodar, acostarse, etc.
A medida que atraviesan las calles y
locales, la gente en el camino ‘’alimenta’’ al León dándole sobres rojos
con dinero adentro a través de su boca. Se supone que esto trae buena suerte y
fortuna y se considera una donación a la escuela de artes marciales que produce
la función.
Los negocios a menudo cuelgan del
techo una cabeza de lechuga o algunas verduras con el sobre rojo en su
interior. El León recoge "la cosecha" durante la Danza. Y
normalmente el bailarín en la parte posterior del cuerpo debe elevar y
sostener al bailarín de la cabeza y juntos alcanzan la lechuga. Ellos se
"comen" el dinero y escupen la lechuga, esparciendo las hojas
frescas para "difundir" la buena suerte y este es también un
símbolo de un nuevo comienzo para el nuevo año.
La Danza del León finaliza con un mensaje de buena suerte que se desenvuelve y cae de la boca del león y al mismo tiempo, con una explosión de fuegos artificiales que
ahuyentarán a los seres malignos.
Se toca con guitarra, laúd, bandurria y timple (instrumento típico canario) su canto y baile es popular donde los bailarines trenzan y ejecutan piezas muy sencillas, que se van ampliando hasta su terminación. Todo ello va salpicado de coplas agudas y picantes estribillos, más o menos socarrones donde el humor canario hace su presencia. Es este uno de los pocos cantos y bailes de alegría y parranda romera que no le faltan parientes en el continente americano (el poricón argentino, el corrido mejicano y las danzas chilenas)que son muy parecidos, la coreografía del baile es de origen barroco y sus caprichos de enlaces entre parejas y figuras variadas se remontan desde siglos aún sin precisar
Origen:
La isa deriva tanto rítmica como melódicamente de una raíz común en torno a la gran variedad de jotas peninsulares que recalaron en las islas tras su conquista. De hecho, en algunos lugares del archipiélago continúan siendo conocidas por el nombre de jotas o jotillas.
Baile:
Cuando la isa llegó a Canarias, su danza no distaba demasiado de la coreografía de la jota. Consistía pues en una composición rítmica que los bailarines ejecutaban ataviados con castañuelas en la que realizaban los característicos saltos correspondientes a la jota. Poco a poco se abandonaron las castañuelas y los saltos fueron cediendo a movimientos menos impetuosos en los que imperaba la estética.
Con el paso del tiempo la isa ha ido reuniendo diferentes figuras coreográficas que dan como resultado la pieza que a nuestros días ha llegado en la que se combinan pasos de baile individuales, en parejas y también en grupos.
La sardana es una danza en grupo y en círculo, que se baila en Cataluña y Andorra.
Los participantes se cogen de las manos por parejas, entendiendo como
pareja un hombre que coge con la mano derecha a una mujer, que resulta
por lo tanto en un patrón alterno de hombre-mujer-hombre-mujer. Por lo
que se refiere a la longitud de una sardana, hay sardanas de 7 y de 10
"tirades", que tienen unas estructuras definidas de pasos "curts"
(cortos) y "llargs" (largos).
Comenzó a resurgir tras varios siglos en las comarcas del norte de
Cataluña, específicamente en la zona que va del Rosellón a La selva, pasando por Ampurdán.
Su popularidad y extensión fue a partir del siglo XIX.
El origen de la sardana o bailes similares que existen por media Europa es
desconocido. Su forma, la manera de bailarla, el hecho de cogerse de las
manos, denotan, según algunos autores, una antigüedad que se puede
remontar a épocas prerromanas. Por eso son tan abundantes las leyendas
que fijan su principio en la antigua Grecia,
donde las danzas circulares, dándose las manos, ya se estilaban, según
se desprende de algunas representaciones escultóricas.
También hay quién ve en la sardana orígenes ancestrales. Así, José Pella
y Forga, historiador español (1852-1918) en el espíritu del
romanticismo literario, propugna el origen remoto de la sardana.
La sardana fue temporalmente prohibida durante la dictadura de Franco
como símbolo nacional. El año 2010 la Generalidad de Cataluña inscribió la
sardana en el Catálogo del Patrimonio Festivo de Cataluña y la declaró elemento festivo
patrimonial de interés nacional.
La Diablada
puneña es una danza en la cual se la practica en la en la
región Puno en Perú que representa la lucha entre el bien y el mal.
Es una danza mestiza que exhibe los elementos de la religiosidad.El
investigador Enrique Cuentas Ormachea expone que la diablada puneña
es ejecutada por sicu-morenos tocando huaynos sincopados que muestra
rituales ancestrales donde los anchanchos y chullchuquis conviven con
los hombres en torno a la pachamama.La danza acompañada con
sicu-moreno la mantiene el conjunto Sikuris del Barrio Mañazo
en Puno.
En 1577,los jesuitas se establecieron
en Juli, Puno, y en los días festivos, se realizaban funciones
teatrales a los que ya estaban acostumbrados los aymaras y se
presentaban comedias y autos sacramentales.
El Dr. Ricardo Arbulú indica que en
una carta del padre Diego González Holguín a su superior, los
jesuitas en su misión en Juli, enseñaron a los nativos, un
canto-danza sobre los siete pecados capitales y como los ángeles
vencen a los demonios,para cristianizar a los habitantes de la zona.
Juli fue conocida como "La Roma de las Indias"Juli es uno
de los centros culturales desde donde se difunde la figura del
diablo.
El director Miguel Rubio Zapata recoge
la versión del profesor Edwin Loza Huarachi, danzante y mascarero,
quien afirma que la diablada puneña tiene su origen en la Danza
del Anchanchu, y es anterior a los autos sacramentales. En aymara
Alajpacha es el reino superior de luz y bondad, Manqapacha
es el reino de la oscuridad y lo malo; y Akapacha es el reino
medio donde viven los aymaras. En el Manqapacha viven
anchanchus, dueños de minas, malignos y gentiles; a quienes se debe
pedir permiso para explotar una mina. Leyendas relatan que el
anchanchu es un humanoide pequeño, con nariz de cerdo y cuernos de
becerro.
En México, durante la época
prehispánica, al "canto y la danza" se le denomino "IN
CUICATL IN XOCHITL" (el Canto y la Flor), porque era una forma
de ofrenda que permitía estar en contacto con las deidades que se
manifestaban en la naturaleza, ya que la danza se le consideró como
una forma de concentración en movimiento con lo cual al ofrendar y
pedir podían canalizar su fuerza al logro de objetivos. A la danza
ritual se le llamó Macehualiztli (merecimiento) y a la danza de
popular se le llamó Netotiliztli. Las sentadillas y movimientos
serpentinos representan la fertilidad, los pasos asentados en el
suelo la tirra y la siembra, las vueltas el aire y el espíritu, los
pasos avanzados y retrocedidos el fuego y los pasos zigzagueantes el
agua.
Entre
1579 - 1590 un descendiente de la nobleza texcocana llamado Fernando
de Alva Ixtlilxochitl reune en el pueblo de San Miguel en Tlaxcala a
los nobles sobrevivientes de la conquista, en donde acordaron como
mantener en la danzas los antiguos conocimientos al igual que se
dieron jerarquías militares en la organización de las
congregaciones de danza.
Entre
1930-1940, los jefes de danza Manuel Pinda Escalona, Gabriel Osorio
en la ciudad de México y Nativida Reyna en Querétaro y Guanajuato,
retoman el uso de los instrumentos de percusión (huéhuetl y
teponaztle) y eliminaron la indumentaria conchera para retomar la
indumentaria azteca, con lo cual recibieron amenazas de muerte por
grupos de concheros y en la carcel llegaron a estar, pero gracias a
ellos se retomó para la actualidad muchos conocimientos antiguos y
surgió la danza azteca de tradición religiosa o Danza Azteca
Chichimeca, en donde se danza con los tambores pero también con las
conchas las cuales sirven para la interpretación de cantos y
alabanzas.
La
danza en sí es un rezo en movimiento, en el que uno por medio de
estos movimientos, esta energía que va generando, le eleva. Ese rezo
en sí es para dar gracias al Creador, para dar gracias a todas las
esencias naturales, y uno estar generando. El ser humano dentro del
mito tilistli venía a la Tierra a dar gracias. O sea, vamos a
agradecer que estamos aquí, respetar y no agarrar, sino dar.
El Sirtaki a pesar de la creencia extensa, no es una danza griega tradicional.
De hecho, fue creado en 1964 para la película "Zorba el griego", ya lo
relata el actor Anthony Queen (mexicano) en una entrevista para
televisión, diciendo que en aquella película él no podía bailar porque
tenía un gran problema en la rodilla y se le ocurrió arrastrar la pierna
para poder ejecutar ciertas escenas de la misma. En ella se mezclan las
versiones lentas y rápidas de la danza de Hasapiko (Hasápikos,
Chasápikos).
La danza y la música también se llaman la danza Zorbas o
de Zorbá.
Una característica distintiva de la danza y de la música de Sirtaki
es su aceleración. El nombre Sirtáki viene de la palabra griega syrtos,
nombre dado a un grupo de danzas griegas tradicionales del estilo
"fricción supuesta" o de "mezcla" (en comparación con pidikhtos, que es
estilo de saltar).
Sin embargo, el Sirtaki incorpora syrtos (en su parte más lenta) y
elementos de los pidikhtós (en su parte más rápida).
El Sirtaki es una de las atracciones culturales de Grecia y de las
tabernas de estilo griego de todo el mundo.
El Saltarello o salterello era una danza viva y alegre mencionada por primera vez en Nápoles durante el siglo XIV. Ha sobrevivido la música, pero no se conocen las pautas de la danza propiamente dicha. Se interpretaba en un ritmo ternario y se llamó así por su peculiar paso saltado, tomando su nombre del verbo italiano,saltare; (‘Saltar’).
Escenas fotográficas.
Aquí os muestro unas escenas fotográficas de este baile, el Saltarello:
Historia.
El Saltarello gozaba de gran popularidad en las cortes de la Edad Media en Europa. Durante el siglo XV, la palabra Saltarellose convirtió en el nombre de un paso de baile en particular; (Un doble salto en el tiempo débil final o inicial) y el nombre de un ritmo musical; (Ternario rápida), que aparecen en muchas danzas coreografiadas. Danzas enteras consistentes sólo en el paso y ritmo del Saltarellose describen como bailes improvisados en los manuales de baile del siglo XV en Italia.
El Saltarello como danza folclórica.
Aunque en origen fue una danza de la corte napolitana, el Saltarellose convirtió en la típica danza folclórica italiana de Ciociaria y una tradición favorita de Roma en el Carnaval y las fiestas de la cosecha deMonte Testaccio. El Saltarello sigue siendo una danza folclórica popular que se baila en las regiones del sur de Italia central, tales como Abruzos, Molise; (En estas dos regiones se utiliza el nombre en femenino: Saltarella), Lazio y Marche. La danza se toca generalmente en la gaita zampogna o en elorganetto, un tipo de acordeón diatónico, y está acompañado porun tamborello.
Vídeo.
Aquí os muestro un vídeo de este baile, el Saltarello:
La
chacarera es una danza vivaz que, como la mayoría de las danzas
Folklóricas argentinas , se baila en pareja.Pertenece al grupo de
danzas picarescas, de ritmo ágil y carácter muy alegre y festivo,
gozó de la aceptación del ambiente rural y también de los salones
cultos del interior hasta fines del siglo pasado, abarcando todo el
país de argentina excepto el litoral y la Patagonia.
Hay
pocos documentos que nos hablan de su historia, mencionan que seria
la más antigua y se baila en Tucumán desde 1850.Musicalmente consta
de cuatro frases en las cuales se cantan las coplas y un interludio
que es solamente instrumental, intercalado después de la primera y
segunda copla y también sirve de introducción.Este interludio una
característica coreografica, ya que puede durar seis u ocho compases
y como corresponde a la figura de vuelta entera, varia de la misma
forma la duración de ésta. El
acompañamiento musical que se utiliza generalmente es de guitarra,
violín, acordeón y por supuesto, el bombo, que se luce con sus
típicos repiques. En la coreografía se introduce una figura
especial que es el avance y retroceso, que consta de cuatro compases.
Al igual que en casi todas nuestras danzas, consta de dos partes.La
segunda se baila idéntica a la primera, pero invirtiendo como es
característico, la posición inicial.
Indumentaria
femenina: zapatos de
cuero tacón mediano . Vestido de zaraza en dos piezas, falda con
mucho vuelo y adornado con amplios volados aplicados. Bata abotonada
adelante con volado puesto como sobrefalda y otros en el borde de las
mangas y alrededor del cuello. Peinado en una o dos trenzas. Indumentaria masculina: acordonadas con o sin espuelas.Bombacha y chaqueta típica, cortona
de bordes rectos con adornos de alforcitas o nido de abeja
llamadas encarrujadas.Camisa,cualquiera blanca o de color
, faja ,tirador con rastra, o sinta ancha con bolsillos. Pañuelo de
seda al cuello con las puntas a media espalda. Sombrero de copa baja,
con barbijo, de colores grises, negros o marrón. Cuchillo a la
cintura.
La cueca es un baile de parejas sueltas, un hombre y una mujer.
Los bailarines, que llevan un pañuelo en la mano derecha, trazan figuras circulares, con vueltas y medias vueltas interrumpidas por diversos floreos.
Se baila en América del Sur, desde Colombia, Perú y Bolivia, donde es danza típica, hasta Argentina.
Aunque se desconoce el origen se sospecha que puede proceder de la jota española.Sus orígenes se remontarían a los tiempos de Audiencia de charcas
y se hace muy popular durante la guerra de la independencia.
El baile de la cueca se baila sobre un circulo imaginario, porque esta compuesto por movimientos circulares como el de Media Luna.
Este baile esta compuesto por un juego de coqueteo entre el hombre y la mujer, donde ella es cortejada por el hombre.
Hay varios tipos de cueca :
1.La cueca Argentina.
2.La cueca Boliviana, dentro de la cuenca boliviana hay varios tipos:
En el norte hay una gran variedad de
gente y por lo tanto de trajes tradicionales. Por la gran parte, la ropa
es hecha de lana de alpaca y es muy colorida. Las mujeres usan la
vestimenta típica todos los días, no solamente para ocasiones
especiales. La manta, conocida como awayo, que lleva la mujer es usada
diaria para llevar a los hijos.
Traje del Centro
Las mujeres en
la zona centra se visten muy sencillo. Generalmente llevan un vestido
simple con colores brillantes y siempre el pañuelo para bailar la cueca.
El huaso, semejante a la huasa, se viste sencillo y cómodo. Para uso
diario utilizan jeans.
Vestimenta del Sur
En esta zona
la gente tiene que vestirse para el frío y la lluvia. Por eso, el huaso
y la huasa de esta zona han adaptado el traje para este clima. El
huaso se encuentra llevando una manta sencilla o un chaleco hecho de
lana, un gorro, una chaqueta, pantalones, y zapatos. La ropa es oscura,
desemejante a la ropa norte de esta región. La mujer también se viste
sencillamente, llevando solamente una falda, chaqueta, medias gruesas, y
zapatos. La mujer también se viste de colores oscuros.
Las bulerías
(de bullería, y este de bulla, griterío y Jaleo, o de burlería, burla)
son el palo flamenco más típico de Jerez de la Frontera
, generalmente de tres o cuatro versos octosílabos.
Características
Las bulerías son un estilo flamenco derivado de
la soleá, del
que toma su estructura de compás y del que se
diferencia
-grosso modo- por su mayor aceleración rítmica.
Se desliga de la soleá (de la cual era epílogo)
a finales del siglo XIX, por obra de cantaores
como El
Gloria y El Loco Mateo, para adquirir entidad
propia.
A caballo entre ambos estilos está la bulería
por soleá o soleá por bulerías, cante
de origen jerezano que consiste en decir la
bulería
a tiempo de soleá. La bulería adopta multitud
de variaciones tanto en la melodía como en la
métrica
y, normalmente, va acompañada de palmas a
contratiempo
y una pincelada de baile. Jerez de la Frontera es
un claro
epicentro de la bulería, aunque también son
destacables las creaciones sevillanas de figuras
como La
Niña de los Peines o Manuel Vallejo, las
formas
gaditanas, las de Utrera-Lebrija o los cuplés por
bulerías (letras de la canción española
o el acervo popular adaptadas a dicho compás en
tono
menor). En el baile, la bulería ha sabido salir de
la fiesta familiar para tomar entidad propia sobre
los escenarios,
ya sea como remate de la soleá, ya sea como fin de
fiesta, fórmula que suele usarse como bis y en el
que participa toda la compañía formando un
corrillo en el que no sólo se lucen los bailaores,
sino también los músicos (es célebre
la ‘patá’ por bulerías del guitarrista
Parrilla
de Jerez, por ejemplo), estando permitida la
broma.
Algunos interpretes más conocidos son Camarón de la Isla o José Mercé .
El cancán es un baile rápido y
vivaz de reputación escandalosa, sus principales características son: los
movimientos provocativos, las patadas altas y el alzamiento y movimiento de las
faldas.
Se originó en el siglo XIX en París y fue inmortalizado en la ópera de
Offenbach Orfeo en los infiernos (1858).
El cancán se baila en un compás de
2/4 y en la actualidad se suele bailar en un escenario, formando una hilera.
Los principales movimientos son la
patada alta,el rápido movimiento rotativo de la pantorrilla con la rodilla
levantada y la falda sostenida a lo alto el port d’ armes(girar sobre una
pierna, mientras se sostiene la otra por el tobillo de forma casi vertical), y
el puente. Además, la práctica del cancán casi siempre incluye gritos,chiflidos
y trinos mientras se baila.
El cancán cristaliza la imagen de
una sociedad parisina frívola y canalla. En una de las escenas, las mujeres
muestran su ropa interior, levantando sus encajes: la provocación mezclada con
complicidad hace furor.
En el arte, muchos compositores
han escrito música para el cancán.
La pieza más conocida es el galop infernal
del compositor francés Jackes Offenbach en Orfeo en los infiernos (1858).
El cancán ha aparecido
frecuentemente en el ballet, siendo los más notables en La Boutique Fantasque
(1919). El pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec produjo varios cuadros y
una gran cantidad de posters sobre las bailarinas de cancán.
Las medias negras y los portaligas
toman apodos muy gráficos y con gran connotación sexual. El cancán simboliza
allí un primer panorama de liberación sexual y emancipación de la mujer, que es
ahora quien seduce.
La jota es una danza española extendida por gran parte de la geografía de España.
Varía según las regione; la jota de Aragón, la de Castilla, la de la Comunidad Valenciana, la de Navarra y la Rioja,
la «montañesa» de Cantabria, la de Asturias, la de Galicia, la de Extremadura, la de la Alta Andalucía y la de Murcia
son quizás las más conocidas y populares. Entendida como representación escénica, la jota se canta y se baila acompañándose
de castañuelas y los intérpretes suelen ir vestidos con trajes regionales. En Valencia, antiguamente,se bailaba la jota en la ceremonia de los entierros También se bailaba y se baila en Cataluña, y especialmente en la zona de las Tierra del Ebro y en el Campo de Tarragona.
Su ritmo suele ser compaseado en 3/4, aunque algunos autores sostienen que el 6/8 se adapta mejor a la estructura del ciclo coreográfico y estrófico. Las armonizaciones populares más habituales se ciñen a acordes de primera, cuarta y quinta del modo mayor con séptima dominante.
Para su interpretación se utilizan guitarras, bandurrias , laúdes , dulzaina y tambores en la castellana, y en el caso de la cántabra, asturiana y gallega por gaitas, pitu ,montañés ,panderetas ,tambores y bombo. El contenido de las canciones es muy diverso, desde el patriotismo, hasta la religión o las picardías sexuales.
Los pasos que ejecutan los danzantes se parecen a los del vals, aunque en el caso de la jota hay mucha más variación. La letra, en cuanto a la forma, suele escribirse en cuartetos octosílabos, siendo asonantes el primer y el tercer versos.
Algunos compositores no españoles han utilizado el estilo de la jota en obras de inspiración española, Por ejemplo:
Mijaíl Glinka, compositor ruso (1804-1857), tras un viaje por España utilizó el estilo de la jota en su obra La jota aragonesa.
Listz, pianista y compositor de origen húngaro (1811-1886), escribió una jota para piano.
Saint- Saëns, compositor francés (1835-1921), compuso una jota para orquesta, lo mismo que el compositor ruso Balakirev (1837-1910).
La Danza Clásica Jemer es una forma de danza de Camboya que comparte algunas similitudes con las danzas clásicas de Tailandia y Laos.
La forma de Camboya es conocida por varios nombres como Danza de la corte, Ballet real de Camboya o Danza clásica jemer y fue proclamada en el 2003 por la UNESCO como Obra maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad, siendo inscrito como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2008.
Historia
En jemer, que se conoce formalmente como Preah robam reachea trop, que significa "danza de la riqueza real" o simplemente robam. Durante el régimen de Lon Nol de Camboya, su nombre fue cambiado a robam boran kbach khmer,
que literalmente significa "danza jemer de el estilo antiguo", un
término que no hace ninguna referencia a su pasado real. Siendo una
forma de arte altamente estilizada bailada principalmente por mujeres,
la danza clásica jemer, durante la época del protectorado francés, se
limitaba en gran medida a los órganos jurisdiccionales de los palacios
reales, realizada por los cónyuges, concubinas, parientes y asistentes
del palacio. Así, los nombres para el arte occidental a menudo hacen
referencia a la corte real. Baile
El baile también es exhibido en varias formas de teatro jemer (lkhaon) como Lkhaon Kbach Boran (el género principal del drama de danza clásica que realizan las mujeres) y Lkhaon Khaol
(un género de teatro danza interpretada por hombres). Los bailarines
clásicos jemeres se refieren a menudo a sí mismos como bailarines
apsara, que en el sentido moderno sería incorrecto, ya que apsara es
sólo un tipo de personaje realizados por los bailarines.
El Baile de las cintas es un baile tradicional de varias culturas. Generalmente, se lo baila o en los carnavales,
o como un símbolo de unión entre los pueblos. En Jujuy los niños danzan
junto a los nacimientos que arman en las aceras. Se ejecuta
generalmente desde Navidad hasta Reyes. Para los bailarines el árbol o
el palo significaba la llegada de la primavera, para vivificar los
surcos, los frutales, el ganado y las mujeres; con sus retoños energía
la vida renovada y los hombres querían atraer sus misteriosos
beneficios. Por eso lo adornaban con cintas de colores (símbolos de
frutos) y danzaban en torno.
Baile
El baile consiste en un grupo de personas, pares y generalmente más de 8. Éstos, se colocan formando una circunferencia, y en el centro de la circunferencia se ubica un mástil
con una cantidad de cintas igual a la cantidad de participantes. Las
cintas son de determinados colores, según la ocasión. Por ejemplo, las
cintas pueden representar colores patricios o simplemente ser
aleatorios. Luego, cada participante agarra una cinta, y comienzan a dar vueltas respetando la circunferencia, al compás de la música.
Al avanzar, cada uno debe pasar por abajo de la cinta del otro, e
inmediatamente después dejar pasar al que quiere avanzar en sentido
contrario por abajo de la cinta que se acarrea. Debido a ese vaivén, en
el mástil se va tejiendo una especie de hilado, generalmente formando alguna variación de colores en especial.
Tradiciones
Durante el carnaval, es muy común ver este baile. Casi siempre es
ejecutado al compás de música con un ritmo muy marcado. Las cintas y los
trajes son de colores muy alegres, debido a que es un acontecimiento
alegre. Es muy importante el sexo de los bailarines. En la República Dominicana, por ejemplo, el Baile de las cintas es bailado generalmente por hombres; la mitad de ellos están disfrazados de mujer.
En Europa, en sus orígenes a este baile se lo consideraba como el baile de la fertilidad, aunque actualmente, casi ni se baila.
En las Islas Canarias, donde se hacen estos tipos de baile es en la Bajada del Socorro.
Reuniones
Es muy típico que en los encuentros de extranjeros fuera de su país se baile esta danza. Por ejemplo, en la Fiesta Nacional de las Colectividades, en Rosario o en la Fiesta de las Colectividades europeo argentinas, en Bariloche,
el Baile de las cintas es un evento muy significativo, en donde un
representante de cada una de las colectividades baila vestido con su
traje típico correspondiente, al compás de, generalmente, una polca.
La Lakalaka es la danza tradicional nacional deTonga
practicada durante las ceremonias importantes como la coronación del rey
y el aniversario de la constitución. « Lakalaka, danzas y discursos
cantados de Tonga » fue nombrada en 2003 y después inscrita en 2008 por
la Unesco.
La tradición surgió en el siglo XIX a
partir de la danza me'elaufola. El término lakalaka
significa en tongano«dar pasos rápidos o prudentes». Durante unos
treinta minutos varios centenares de personas danzan en ritmo en dos
grupos, los hombres a la derecha y las mujeres a la izquierda. Los
danzantes aplauden mientras cantan, a menudo acompañados por un
coro. Los participantes se colocan según su rango social y entre los
hombres y las mujeres se sitúa el vahenga, una persona de
alto rango que viste a menudo un traje único. Los danzantes visten
de manera tradicional con pulseras de tobillo, brazaletes, collares
y un tekiteki, un tocado de pluma.
El Jivees un estilo de baile nacido en Estados Unidos. Derivado del Lindy Hop, el Jivefue evolucionado a partir del estilo Jitterburg, al cual se le han eliminado los elementos acrobáticos y se le ha mejorado la técnica. La primera descripción de Jive fue dada por un profesor de baile londinense llamado Víctor Silvester y fue publicada en Europa en 1944. También podemos constatar que el Boogie Woogie, Rock & Roll y el Swing han influenciado mucho a este baile. El Jivees muy rápido, y es de los bailes que te hacen gastar mucha energía. Ha sido el último estilo de baile incorporado a la disciplina de competición.
Lugar de este baile. Sensación que transmite una pareja bailando. Velocidad de los compases.
Normalmente es el que se baila en último lugar, después de que los bailarines hayan bailado cuatro bailes, y en el se tienen que notar las fuerzas y el estado físico de ambos. El Jivees el baile menos conocido de los diez que forman un programa de competición. De origen latino, se confunde una y otra vez con el Rock & Roll. El Jive es un baile, con un carácter alegre y dinámico. La principal sensación que transmite una pareja bailandoJive es de agilidad, pues, aún sin tener elementos acrobáticos, las figuras del Jive son una auténtica muestra de habilidad y equilibrio. Jive es un estilo de baile en 4/4. En baile, Jive es uno de los cinco Internacional latín bailes. En la competencia que se baila a una velocidad de 44 compases por minuto, aunque en otros casos, esto se reduce a entre 32 y 40compases por minuto.
Basic Paso. La medida básica; (Jive Basic) esun paso 8.Patrón. Líder;Cuenta:1. 2. - Rock paso: el pie izquierdo paso atrás, pie
derecho sustituir;Cuenta:3. 4. - Chasse:a la izquierda;Cuenta:5. 6. -
Chasse:a la derecha; El seguidor de los pasos se reflejan.
Mazurca
era originalmente un baile de salón de la corte real y la nobleza
polaca y que se convirtió con el tiempo en una danza para la clase
popular. En la tradición rural bailaron a menudo juntos en orden:
mazur (medio rápido), kujawiak (lento) y oberek (rápido). La
diferencia entre estas danzas se basa en la expresión y la
velocidad.
Mazur
determinada como MAZURCA se
dio a conocer por toda Europa junto con la polca (de estructura
similar) durante la segunda mitad del siglo XIX. Se convirtió en el
baile de moda de las grandes capitales europeas durante este siglo.
Se baila en parejas, y es una danza de carácter animado y gallardo.
Mazurca es generalmente más rápida que la que la polonesa y tiene
otros acentos.
Ritmos:Escrita
en compás ternario(3/4, 3/8), se caracteriza por sus acentos en los
tiempos 2º y 3º, en contraste con el vals.
Tipología:Normalmente
solo es interpretada por instrumentos, pareciéndose, incluso algunas
de ellas, verdaderas piezas de concierto por su forma y calidad
musical.Hay una versión hecha por " los Viejos de Gáldar",
conocida como polca
mazurca. Dicha
denominación no está falta de razón, ya que en el siglo XIX, se
popularizó por todo el mundo con este nombre.Se trata pues de una
variante de la mazurca que fue introducida por los compositores de
danzas vienesas.
El Bolero es un género musical cubano y desarrollado en varios países
hispanoamericanos, como México , República Dominicana,Puerto Rico ,Colómbia , Ecuador ,Perú, Panamá, Costa Rica , Chile
y Venezuela,
muy popular en todos los países hispanoamericanos.
Al parecer, las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del Siglo XVIII. También son identificables en el género algunos
elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore
cubano durante el sigle XIX, como el danzón
y la habanera.
Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el
bolero.
