jueves, 5 de abril de 2018

Kathak



Kathak (Hindi: कथक, Urdu: کتھک) es una de las formas de danzas clásicas de la India. Encuentra sus orígenes en los bardos nómadas de la India antigua del Norte conocidos como kathakas o cuentacuentos/narradores. ​En la actualidad esta danza contiene rasgos de danzas rituales y de templos, así como influencia del movimiento bhakti y características de la danza persa y de Asia central adquiridas durante el siglo XVI, importadas por las cortes reales de la Era Mogol.

El nombre Kathak deriva de la palabra sánscrita katha que significa historia, y katthaka :"el que cuenta una historia". El nombre apropiado sería कत्थक, Katthak, geminada, pero ha sido simplificada con el tiempo hasta la actual कथक kathak. Kathaa kahe so kathak es un dicho que muchos maestros pasan a sus alumnos, generalmente traducido como "el/ella que cuenta una historia es un Kathak" o también "aquello que cuenta una historia, eso es kathak".

Hay tres gharanas principales o escuelas de kathak de las que se sigue un linaje: las gharanas de Jaipur, Lucknow, y Varanasi, nacidas respectivamente en las cortes de los reyes Kachwaha Rajput, los Nawab de Oudh y Varanasi. Se suman a éstas gharanas más recientes como la Raigarh gharana que amalgama elementos de las tres gharanas mayores y se hizo famosa por composiciones distintivas.



La bailarina de Kathak Richa Jain
interpretando el chakkarwala tukra,
una de las piezas tradicionales de esta danza.


Las bailarinas de Kathak Sharmila Sharma
y Rajendra Kumar Gangani en el museo
Guimet de París en 2007.



Índice 
1 Historia
1.1 Cambios en la Era Bhakti
1.2 En el período Mogol
1.3 Influencias posteriores de la Corte
2 Repertorio
2.1 Danza pura (Nritta)
2.2 Danza expresiva (Nritya)
3 Véase también
4 Referencias


Historia
Comienza en tiempos remotos, en las actuaciones de los cuentacuentos profesionales llamados kathakas que recitaban o cantaban historias épicas y mitológicas con algunos elementos dancísticos. La tradición de los kathakas era hereditaria, y las danzas pasaban de generación en generación. Existen referencias de los siglos III y IV a.C. que refieren a esos kathakas. Un extracto de dos textos presentes en los archivos de la biblioteca de Kameshwar en Mithila dice así:

«maggasirasuddhapakkhe nakkhhate varanaseeye nayareeye uttarpuratthime diseebhage gangaye mahanadeeye tate savvokathako bhingarnatenam teese stuti kayam yehi raya adinaho bhavenam passayi»

Texto Prakrit, s.IV a.C.
«En el mes de margashirsha, en el shukla-paksha nakshatra, al noroeste de varanasi, en la orilla del del Ganges, la danza shringar de los kathakas en alabanza a Dios satisfizo al Dios Adinatha.»

Un shloka en sánscrito del S.III a.C.:
...anahat...nrityadharmam kathakacha devalokam...


Para el siglo XIII ya había emergido un estilo definido, y pronto también características técnicas tales como sílabas mnemotécnicas y bol. En los siglos XV y XVI en el tiempo del Movimiento Bhakti, Rasalilas tuvo un tremendo impacto en el kathak, de forma que inclusive, hizo su camino a los Kathavachakas, quienes actuaron dentro de templos.

Cambios en la Era Bhakti
Durante la era de ferviente devoción hacia Radha-Krishna, se usaba el kathak para contar historias acerca de la vida de estas figuras. Actuaciones populares incluían hazañas de Krishna en la tierra sagrada de Vrindavan, y cuentos de Krishna-Leela (la infancia de Krishna). Es en este período en el que esta danza se alejó de la espiritualidad del templo y comenzó a ser influenciada por elementos folclóricos.

En el período Mogol
Es en este período, en el que la danza contactó con las cortes mogoles después del s.XVI que el kathak comenzó a adquirir su forma y rasgos distintivos. Aquí encontró otras formas diferentes de música y danza, especialmente desde Persia. Los bailarines fueron seducidos desde los templos a las cortes por medio de regalos de oro, joyas y aprobación Reales. Este patrocinio desencadenó una serie de cambios en una clase social emergente de bailarines y cortesanos en los palacios reales, donde las competiciones dancísticas eran frecuentes. El ambiente mogol de las cortes del norte de India causaron un cambio de enfoque para el kathak, desde una forma artística puramente religiosa hacia un entretenimiento de las cortes. los/las bailarines/as provenientes desde Asia central divulgaron sus ideas a los bailarines de kathak, al mismo tiempo que ellos tomaron prestadas ideas desde el kathak para implementar en su propia danza. El kathak absorbió este nuevo input, adaptándolo hasta que se transformó en una parte integral de su vocabulario propio.

El kathak comenzó a diferenciarse de otras formas tradicionales de danza India, tales como el bharatanatyam. La postura en demi-plié de la mayoría de las otras formas de danzas indias , dio paso a las extremidades inferiores extendidas, tomado desde los bailarines persas. Para enfatizar el trabajo de pies rítmico, extravagante y elaborado, se comenzó a utilizar hasta 150 cascabeles en cada pierna. Durante este período también ocurrió la introducción de los giros denominados "chakkars" , característicos del kathak, posiblemente influenciados por los giros dervishes. La posición con piernas extendidas otorgó una nueva vitalidad al trabajo de pies, tejiendo los ritmos de percusión por derecho propio, tanto en conjunto o en complemento a la tabla o el pachawaj. En esta etapa, las variadas influencias aportaron gran flexibilidad al kathak en términos de presentación y de danza narrativa. A medida que se fue alejando del templo, pasando por danzas folclóricas hasta llegar a las cortes, congregando así muchos añadidos en los temas sobre los cuales la danza se trataba. Esto significó una ampliación del material de piezas abhinaya, y un estilo de presentación menos estilizada y ligeramente más informal que a menudo incorpora improvisaciones y sugerencias de la audiencia de la corte. La fusión de culturas se desarrollaron y fueron formando al kathak de manera muy singular, pero aunque ahora resultara sustancialmente diferente de otras formas de danzas indias, las raíces del estilo permanecieron, y como tales aún despliegan una consanguinidad con las otras, particularmente en las formas adoptadas por las manos durante la narración de historias, y algunas posturas corporales, como por ejemplo la posición tribhangi, común a la mayoría de formas de danza de India.

Influencias posteriores de la Corte
Muchos emperadores y gobernantes reales contribuyeron al crecimiento y evolución del kathak en diferentes gharanas o escuelas de danza, cuyo nombre surge de la ciudad donde fueron desarrolladas.

Repertorio
Danza pura (Nritta)
La estructura de una actuación de kathak convencional tiende a seguir una progresión en tempo de lento a rápido, terminando en un clímax dramático/expresivo. Una composición corta es denominada tukra, una larga se llama toda, existen también composiciones compuestas exclusivamente por trabajo de pies. A menudo el intérprete participa en un juego rítmico con el ciclo-tiempo, por ejemplo separándolo en tripletas y quintupletas marcadas claramente en el trabajo de pies, haciendo contrapunto al ritmo de la percusión.

Todas las composiciones son desarrolladas de tal modo que el paso final y el beat de la composición terminan en el "sam"(pronunciada como la palabra inglesa "sum" (traducido como unir, vincular), el primer beat del ciclo rítmico. La mayoría de composiciones tienen bols que sirven tanto como mnemotecnia para la composición como para su recitación. Esta recitación forma parte integral de la actuación, se denomina "padhant", y algunas de estas recitaciones resultan auditivamente muy interesantes. Los bols pueden venir de los sonidos que se usan en la tabla (dha, ge, na, ti, ka dhina) o provenir de la variedad dancística (ta thei, tat, tata, tigda, digdig, tram, theyi, entre otros).

A menudo los tukras son composiciones hechos para resaltar aspectos específicos de la danza (modos de andar, usos de las esquinas de la sala o diagonales, entre otros). Un tipo popular de tukra es el chakkarwala tukra, hecho para lucir los giros característicos que forman parte del sello del kathak, ejecutados sobre el talón, diferenciándose significativamente de las pirouettes del ballet. Los giros pueden desarrollarse generalmente al final del tukra, en números usualmente extensos (cinco, nueve quince o más), populares entre la audiencia por su fortaleza visual y gran velocidad.5


Otras composiciones son:
Vandana, el/la bailarín/a comienza con una invocación a los dioses.

Thaat, la primera parte de una interpretación tradicional;el bailarín/a realiza composiciones cortas con el ciclo rítmico, terminando en el sam es una posición como si se tratara de una estatua.

Aamad, palabra proveniente del persa que significa "entrada", la primera introducción del ritmo hablado o bol dentro de la interpretación.

Salaam o salaami, saludo a la audiencia en estilo musulmán.

Kavitt, poema distribuido en un ciclo rítmico; el bailarín/a ejecutará movimientos que hacen eco del significado del poema.

Paran, composición utilizando los bols de pakhawaj en vez de los de la tabla o la danza.

Parnmelu o primalu, composición que utiliza bols que evocan sonidos de la naturaleza (ej. kukuthere, pájaros; tigdhadigdig, el contorneo del pavo real) y otros (ej. jhihjikita, el sonido de los ghunghurus).

Gat, desde la palabra gait (caminar), mostrando en caminatas tanto escenas de la vida eal como otras escenas de modo abstracto.

Lari, composición de pies consistente en variaciones de un tema, que finaliza en un tihai.

Tihai, composición de pies que consiste en un set de bols repetidos tres veces de manera que el último bol finaliza dramáticamente en el "sam".

Danza expresiva (Nritya)

Aparte de las piezas tradicionales de expresión o abhinaya realizadas con un bhajan, ghazal o thumri, el kathak posee un estilo de interpretación o pieza expresiva llamada "bhaav bataana (lit. mostrar bhaav o "sentimiento"). Es un modo donde abhinaya domina, históricamente surge en las cortes Mogoles es más adecuado para espacios más íntimos (de manera clásica: mehfil o durbar), por la proximidad del bailarín/a con la audiencia, que puede ver los matices de la expresión facial del/la intérprete. Se canta el thumri y posteriormente se interpreta esa frase con abhinaya facial y corporal, gesticulaciones de las manos, todo esto acorde a las habilidades interpretativas del bailarín/a. Por ejemplo, Shambhu Maharaj es reconocido por interpretar una frase de muchas maneras distintas durante horas.



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C-Walk



Historia: 
EE.UU la rivalidad entre los Crips y los Bloods (bandas) se extendió al mundo del entretenimiento, con la adopción del baile de pandillas por parte de varios raperos en la costa oeste de los Estados Unidos, que le dieron su nombre, Crip Walk. Este baile implica el movimiento de los pies, clásicamente a la ortografía de C-R-I-P (refiérase a C Walk). Fue utilizado por Crips en las fiestas para mostrar su afiliación, particularmente frente a la banda rival, los Bloods. También se usó después de matar a alguien para darle al matar una firma Crip. La MTV se rehusó a transmitir ningún video musical que incluyera Crip Walk. La caminata de Crip a menudo se refiere a muchas canciones de rap, incluyendo canciones de Xzibit como "Get Your Walk On" y "Hood Hop" de J-kwon. La C-Walk fue originalmente una danza simbólica estrictamente para los miembros de la banda Crip a principios de la década de 1980 en South Central Los Angeles; sin embargo, a principios de la década de 1990 la danza se había convertido en una popular danza hip-hop. El baile fue utilizado originalmente por los miembros de Crip para deletrear sus nombres y otros símbolos de Crip. Los miembros de la pandilla a menudo deletreaban la palabra "Bloods", el nombre de su pandilla rival, antes de tacharla con un movimiento ágil de los pies. También se cree que se usaba como aviso y distracción en robos de la banda en cuestión.


Crip Walk
El Crip Walk o C-Walk como baile es un continuo movimiento de pies, usado para explicar detalladamente imágenes y símbolos relacionados con gángsters. Se originó a principios de los años 70 en Compton, un suburbio de la ciudad californiana de Los Ángeles, popularmente referenciado con letras de rap. Cuando se convirtió en un símbolo del movimiento de pies en los 80s, pronto inspiró a la danza de hip-hop a finales de los 90s. Este estilo de baile es conocido actualmente como Crip Walk.

Clown Walk
Para intentar quitarle la connotación pandillera, se le cambió el significado a la C de Crip por Clown. Este estilo de C-Walk se caracteriza de movimientos de piernas más rápidos y dinámicos sin necesidad de seguir el tiempo de la música. Además de concentrarse en la rapidez, se puede seguir la lírica de la canción usada para bailar o también se puede seguir el beat ( caja ).

Crown Walk
El Crown Walk es otra derivación del Crip Walk que consiste en la mezcla de los dos estilos, es decir las acrobacias del clown con la marcación del tiempo del crip. Marcar el Beat ( caja ) de la canción es importante en este estilo al igual que en el Crip Walk. Este estilo es muy parecido al crip la diferencia esque en el Crown se utilizan pasos como el Heeltoe y el Xhop ( Pasos que en el Crip Walk no se utilizan).

En el siguiente vídeo podemos observar la diferencia entre el Clown Walk y el Crip Walk.



Por último si estáis interesados en aprender como practicar este baile no dudéis en visitar la siguiente página, click aquí.


martes, 3 de abril de 2018

Danza del Dragón


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La Danza del Dragón es una forma de danza tradicional y el rendimiento en la cultura china. El baile es realizado por un equipo de bailarines que manipulan una figura larga y flexible de una dragón usando postes colocados a intervalos regulares a lo largo del dragón. El equipo de baile simula los movimientos imaginarios de este espíritu fluvial de una manera sinuosa y ondulante. La danza del dragón es el acto de finalización de las festividades de Año Nuevo en China, donde los desfiles comienzan el mismo día de Año Nuevo y continúan durante quince días hasta la finalización de las festividades con el Festival de los Faroles.

La danza
El dragón Chino representa la sabiduría, el poder y la riqueza y son unos actos muy significativos de la cultura China. Popularmente se cree que su realización ayuda a ahuyentar a los malos espíritus y se lleva la mala suerte con ellos. Durante la danza, una docena de artistas, intérpretes o ejecutantes sostienen el dragón sobre postes haciéndolo subir y bajar dando la impresión de que el dragón “baila” a medida que van pasando entre las multitudes junto a los sonidos de los bulliciosos, gongs y tambores.
El desfile del dragón chino, como norma general, se lleva a cabo junto con las danzas del león, acróbatas, practicantes de kung fu entre los tambores y cimbales, culminándose con fuegos artificiales.

El dragón   
De forma tradicional, la estructura o armazón del dragón se realizaba con madera o con bambú, cubierto con tela. En la actualidad los componentes que más se utilizan son más leves como el aluminio o los plásticos.
El disfraz del dragón se suele realiza con diferentes colores. El color del cuerpo o el tronco del dragón puede ser verde para simbolizar una gran cosecha, o bien de color amarillo, representando al imperio, el otro y la plata, son símbolos de la prosperidad, y el rojo denota el entusiasmo y la buena suerte de las fiestas.
Los dragones varían de tamaño, algunos pueden medir hasta 100 metros de largo ya que se tiene la creencia de que cuanto más largo sea el dragón, mejor prosperidad y buena suerte traerá.

Break dance

El Break dance es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura HIP HOP surgido en las comunidades  de los barrios neoyorquinos  como el Bronxs o Brooklyn en la década de 1970. Si bien es cierto que alcanzaría un mayor reconocimiento en los años 1980, gracias a la influencia de diversos artistas como James Brown, el auge de los grupos de baile,  como por ejemplo los Rock Steady Crew, la música disco de ese tiempo, y películas como Breakin´ y Beat Street que extendieron el movimiento hacia los países europeos y Latinoamérica e impulsaron que el ritual competitivo de las guerras de bandas se viesen envueltas por un fenómeno de la cultura rap, recibiendo una atención masiva por parte de los medios.

Origen
Comenzó como un método de las bandas rivales del ghetto para resolver disputas por el territorio. En una exhibición de bailes por turnos, el bando ganador era quien demostraba mayor habilidad y conseguía ridiculizar al oponente, al principio únicamente era un baile de pie, sin bajar al suelo, salvo en los “burns” en donde se bajaba por un momento para realizar algún gesto o postura de burla al contrario.

Batallas
Son un enfrentamiento entre dos grupos de B-boys, individuales, en parejas o crews, en círculo donde uno a uno realizan en el centro la rutina de baile. Va adquiriendo mayor grado de complejidad a la salida de cada bailarín. Los ganadores suelen ser los que hayan demostrado más estilo, ritmo, sentimiento, compenetración, originalidad, conocimiento y muchos otros valores. Hay siempre un jurado que decide quién es el B-boy ganador. Una vez que el bailarín gana se le permite adoptar gestos del contrario.

Movimientos
  • Air Flare: Consiste en girar utilizando los brazos para equilibrar el cuerpo de un lado a otro en forma de circunferencia, los pies no deben tocar el suelo.
  • Windmill: conocido como molinos, es el movimiento en el cual el B-boy gira con su cuerpo al suelo y sin que sus piernas lleguen a tocarlo.
  • Escorpión: Consiste en poner la cabeza en el suelo y subir las piernas como un escorpión.
  • Fly flash: voltereta de medio lado.
  • Baby freeze: movimiento que se realiza apoyando la cabeza sobre el suelo y manteniendo el cuerpo con una mano en el costado y usando la otra para mantener el equilibrio, en la que queda libre se ha de apoyar la rodilla.
  • Handstand: popularmente conocido como el pino, consiste en apoyar las manos en el suelo, levantar las piernas y mantenerlas en el aire quedando en una postura recta.
  • HandHop: se realiza apoyando una mano sobre el suelo y saltar en esta, la otra mano debe estar abierta y los pies abriendo y cerrando conjuntamente.
  • Flare: consiste en apoyar las manos sobre el suelo y hacer girar el torso con las piernas sin que esta toque el suelo; es conocido con caballete en la disciplina olímpica.
  • Halos: Sobre la cabeza se dan vueltas a la vez que se va dibujando un círculo en el suelo. El apoyo de la cabeza se realiza sobre un lado de esta mientras los brazos se utilizan para dar un impulso.
  • Munchmill: consiste en girar el cuerpo por el suelo sin que las piernas lleguen a tocarlo con una variación, las piernas están acurrucadas y cruzadas.
  • Free: variedad de movimientos que se basan den dejar una mano en el suelo y la otra extendida junto a los pies.



miércoles, 28 de marzo de 2018

Sanam

El baile Sanam se originó principalmente en el sur de Xinjiang (China) y es el baile más famoso entre todos los uigures. Forma parte de los espectáculos que acompañan la música tradicional de los 12 Muqam, un género de música y poesía uigur que ha sido incluido dentro de la lista de Patrimonio Inmaterial de la UNESCO.

En las bodas, festivales o cualquier fiesta los uigures bailan sin falta alguna coreografía Sanam. Tanto jóvenes como mayores, hombres y mujeres, todos se apuntan al baile. Normalmente, en una actuación de Sanam, los espectadores se sientan en círculo y la banda se coloca en una esquina de la sala. Mientras los participantes aplauden y cantan al unísono, el bailarín baila. A parte de cantar canciones tradicionales, improvisan nuevos versos que describen el ambiente festivo y su alegría. Los bailarines también improvisan, siguiendo el ritmo de la música. Entre una y cinco personas bailan juntas.

Los bailes se acompañan con 6 o 13 canciones, aunque también se pueden escuchar solas. Es una música melódica y expresiva, con un ritmo contundente. Los instrumentos que más se repiten en sus canciones son el naghra (tambor), rawap y dutar (instrumentos de cuerda), satar (instrumento de cuerda con forma de arco) y dup (tamborines). Los tambores son los que marcan la velocidad del baile.


Baila de Ibio

La baila de Ibio o danza de Ibio es una pieza tradicional del folclore de Cantabria (España), y una de las manifestaciones más populares de la cultura de Cantabria.

El origen de la baila se encuentra, principalmente, en la danza de las lanzas de Ruiloba, donde aún se conserva por tradición y es posible disfrutar su ejecución en las fiestas patronales.

Cabe destacar el bígaro o caracola marina como instrumento utilizado, el cual produce un sonido muy característico, acompañado por el tambor que marca el ritmo.      

Esta danza, de origen guerrero, fue modificada por Matilde de la Torre, fundadora de la agrupación Voces Cántabras, en torno al año 1931, y representada en la fiesta anual de la Sociedad Inglesa de Danzas Folclóricas. Posteriormente, Matilde de la Torre recogería en una serie de artículos recopilados bajo el título La Montaña en Inglaterra, el éxito que la danza tuvo en aquel festival.

Actualmente es representada en múltiples festividades de la región, y en particular, en la celebración de las fiestas de San Pantaleón, el 27 de julio en Ibio (Mazcuerras).


miércoles, 21 de marzo de 2018

Tango Queer


Sin roles prefijados, sin que una parte de la pareja siempre tenga que llevar y la otra seguir y, sobre todo, sin que la pareja deba estar compuesta obligatoriamente por un hombre y una mujer.

Así se baila hoy un tango distinto que se conoce como tango queer y que quiere plantear una reflexión sobre el género, los códigos y las normas que rigen este baile. Así, esta nueva modalidad tanguera propone romper con la dicotomía hombre/mujer en el baile y con los roles asignados, permitiendo que cada persona elija libremente su rol, independientemente de su gé­nero, además de ofrecer la posibilidad de cambiar de rol cuando se desee.


                                                        Reportaje sobre el Tango Queer en Buenos Aires


Pero ¿cómo se baila el tango queer?, ¿es muy distinto al tradicional? Los iniciados señalan que no hay grandes diferencias con respecto al tango convencional. Se baila igual pero todas las personas implicadas conocen ambos roles y los intercambian. La música que suena en las milongas queer es también la del tango clásico, preferentemente de los años 30 y 40 del siglo XX.

La principal variación, así pues, estriba en el código, en su disolución. En el milonguero tradicional, además de darse por supuesto que las mujeres siguen y los hombres llevan, y que las parejas están formadas por hombre y mujer, los hombres sacan y las mujeres esperan. Nada de esto sucede en el tango queer. En él debemos preguntar a la persona con quien bailamos con qué rol desea empezar, y todas las personas son libres de invitar a quien les plazca. 


Para saber más:

Página oficial del movimiento "Tango Queer" en inglés y español