Baile de la conquista

El baile de la Conquista, como su nombre sugiere, evoca incidentes propios de la conquista de Guatemala por los españoles, que encabezó el adelantado Pedro de Alvarado, en la misma tomó parte la figura legendaria de Tecún Umán, encabezando los vencidos. Sus instrumentos musicales siguen siendo actualmente el pito, la chirimía, el tambor y el tamborón.
El argumento del baile es guerrero, en el cual los cristianos son los españoles, los “gentiles” son los mayas. De modo similar a la danza de “moros y cristianos”, finaliza con la conversión al cristianismo de la población local, con lo que se consuma la conquista, en la salutación final todos bailan juntos.
Mientras tanto se han escenificado batallas, alegatos e insultos entre unos y otros. En esta danza sobresale la participación de Pedro de Alvarado.
Este baile fue creado por los frailes dominicos, para auxiliarse en la catequización de los “infieles” en la época de la conquista. Representa las batallas libradas por los castellanos o cristianos contra los moros, árabes o sarracenos en su afán de expulsarlos de la península ibérica a finales del siglo XV. El baile de la conquista es un espectáculo que se realiza en el departamento del Quiché, Guatemala, situado a 160 kilometros de la ciudad capital.
El colorido de sus trajes, el ritmo de su música y sus movimientos extravagantes, han coadyuvado a que los turistas nacionales e internacioanles se deleiten plenament e al presenciarlos.
 Historia
Para imaginar un poco el ambiente cultural sobre el cual vino a introducirse el Baile de la Conquista, es necesario hacer referencia a las manifestaciones de música y danza entre los indígenas prehispánicos y especialmente de un drama de la época anterior de la colonia. Hay que recordar que los Quichés y cakchikeles eran sabios y artistas.
La danza, la música, la pintura y la escultura fueron artes habituales en estos pueblos. Según el historiador guatemalteco Haroldo Rodas, la afición por la danza y la música venía a los indígenas por medio del dios Nacxit, quien le entregara a los Quichés flautas de hueso y conchas de caracol. Los instrumentos musicales eran considerados de gran valor como las joyas. Lo anterior pone en evidencia, según el historiador Rodas, que los instrumentos musicales y los bailes acompañaron a los indígenas desde tiempos inmemoriales. Por su parte, la historiadora guatemalteca Lucía Armas comentó que a la llegada de los españoles, muchas de las manifestaciones artísticas de los aborígenes fueron suprimidas y otras sustituidas por expresiones de arte español.

Amores

Los amores es una danza nativa argentina. Se bailó en la campaña de la región pampeana desde 1820 hasta comienzos del siglo XX; algunos escritos también dicen que se la vio bailar en el norte. Tuvo difusión en los salones de la ciudad de Buenos Aires hacia 1825.

Clasificación
Danza de galanteo de parejas sueltas, de movimientos vivos, se baila con castañetas y paso básico. Se baila en la 4º colocación.
Es danza de pareja suelta e independiente, de movimiento vivo. Generalmente se baila por 2 parejas (4 personas) esto es, "en cuatro", coordinando aquéllas sus movimientos para realizar muchas de las figuras: molinetes, cadenas, etc.
El baile desarrolla un juego coreográfico de carácter amoroso, en el que los caballeros galantean a sus damas, paseando con ellas o persiguiéndolas hasta que simbólicamente consiguen conquistarlas en la coronación final. De acuerdo con la letra, en ciertos tramos los varones y las damas realizan molinetes por separado, alternadamente, con los que cada sexo aparenta manifestar su identidad de sentimientos y su oposición al otro.

Coreografía
 1. 1º paseo: la 1º pareja retrocede, la 2º avanza (4c).
 2. 2º paseo: la 2º pareja retrocede, la 1º avanza (4c).
 3 y 4. (Se repiten las figuras 2 y 3. 8c).
 5. Cruce varones (con mano derecha), palmas de damas(4c).
 6. Cruce damas (con mano derecha), palmas varones (4c).
 7. Cruce varones (con mano izquierda),palmas varones (4c).
 8. Cruce damas (con mano izquierda), palmas varones (4c).
 9. Cadena (8c).
 10. Media vuelta: en conjunto (4c).
 11. Giro final (4c).

Segunda
Es similar a la 1º, los bailarines comienzan en los lugares opuestos.

Historia

Sobre la historia de esta hermosa danza. Se bailó en antaño en la provincia de Buenos Aires. Donde a principios de nuestro siglo gozó de cierta difusión. Tambien cultivó se en otras provincias. En 1882 el músico sanjuanino Arturo Berutti describe la danza "El Amor" en el periódico porteño "Mefistófeles" anotando una coreografía distinta de la bonaerense.

Danza de los tejorones viejos

La interpretación que de esta danza hace la gente de San Juan Colorado, Jamiltepec, es una de las más bellas y con mayor sentido místico.

Esta danza se comenzó a representar poco antes del inicio de la Revolución Mexicana; la interpretan nueve danzantes (es de las pocas danzas de la región en que participan mujeres), acompañados de dos personas con banderas rojas y una con bandera negra. La música es interpretada por un violinista, un guitarrista y dos tamborileros.
El significado de la danza es la representación de la Pasión de Jesucristo. Los personajes que intervienen son Poncio Pilatos, Herodes, Caifás, algunos fariseos y algunos judíos, Jesucristo y la Virgen María. Al momento de salir, los danzantes son encabezados por dos mujeres vestidas con huipiles y descalzas, que llevan braseros en los que queman copal. En el grupo de danzantes va uno que representa a Jesucristo y carga una cruz de aproximadamente un metro y medio de longitud.
Uno de los danzantes lleva en la mano derecha un bastón con un listón azul en la punta. Esto significa autoridad, ya que anteriormente el personaje era interpretado por el Presidente Municipal del lugar en donde se realizaba la danza, y era él quien cargaba la cruz para después ser encerrado en la cárcel de la localidad el domingo de Carnes Tolendas (últimos tres días en que se come carne antes del Miércoles de Ceniza) y liberado el martes a las tres de la tarde, día del Carnaval.
 Los danzantes masculinos usan vistosas sonajas de jícara y machetes de madera en sus ejecuciones; visten con pantalones y camisa de diferentes colores, sacos, zapatos, calcetas de color carne, una mascada anudada al cuello, y llevan un cono en la cabeza adornado con plumas de gallo. El vestido de las mujeres se compone de un huipil en la parte superior del cuerpo (vestido regional suelto y sin mangas, adornado con bordados de colores) y un pozahuanco en la inferior (tela que se faja sobre las caderas y que cubre las piernas). En la cabeza llevan un sombrero forrado de lana.
La danza se representa durante cuatro días antes del inicio de la Cuaresma, comenzando el domingo anterior y concluyendo el Miércoles de Ceniza.

Danza de la tortuga

Los estudiosos de la danza autóctona mexicana han descubierto constantes en danzas de regiones diferentes del país. La referencia a la tortuga es una de esas constantes, sobre todo en las zonas costeras. En el mismo estado de Oaxaca se representan dos distintas variantes de la danza de la tortuga: en la región del Istmo y en la Costa.
 El poblado tiene una población de 4,700 habitantes, dedicados principalmente al cultivo y comercialización del limón, la siembra de maíz, ajonjolí y cacahuate. También existe actividad ganadera: cría de reses, venta de carne, leche y elaboración de quesos. El 98% de la población es negra, por lo que la influencia indígena no propició la adopción del mixteco, que es la lengua indígena dominante de la región.

 La intención de la Danza de la Tortuga que se practica en la Costa es ridiculizar el dominio español y rememorar la explotación que se hizo de los esclavos negros durante la Colonia. El control y la estricta disciplina impuesta por los españoles hacia los negros se representa con el látigo que lleva en las manos el Pancho, el capataz que reprime a sus compañeros de raza después de haberse ganado la confianza del amo. La Minga es la mujer del Pancho, es alegre y coqueta, por lo que constantemente es objeto de piropos que enfurecen a su pareja, quien la castiga con golpes, al igual que a todo aquel que se haya atrevido a abrazarla o besarla.
 Durante el desarrollo de la danza la Minga ofrece a su "hija" a las personas del público, al elegido se le pide que abrace a la muñeca que representa a la supuesta hija; si la persona no la toma, la Minga grita llamando al Pancho para que castigue a quien se atrevió a despreciar a su hija, y si la persona toma la muñeca llega el Pancho inmediatamente para reclamarle el que tenga a su hija en brazos y acusándolo de "tener que ver" con su mujer, por lo que le impone un castigo. El castigo consiste en bailar con la Minga; si no quiere bailar tiene que deshacerse de un objeto personal o dar una aportación económica para no ser castigado. Las aportaciones son usadas al final de la danza en la adquisición de licor para los danzantes.
El vestuario que se utiliza es el siguiente: el hombre se cubre la cabeza con dos paliacates poniéndose sobre ellos una máscara y un sombrero, su camisa y pantalón son prendas viejas, rotas y remendadas, también usan huaraches; la mujer, además de los paliacates y la máscara, lleva sobre su cabeza una mantilla, su vestido es largo y floreado, cubierto con una manta de encaje negro, en los pies usa medias y huaraches; el Pancho lleva sobre su pantalón chaparreras de vaquero, reata, cuerno de vaca al hombro y una binza en la mano, además de botas con espuelas; la Minga es la única del grupo de mujeres que lleva peluca, vestido largo y rebozo cruzado sobre su pecho, en los brazos lleva la muñeca que representa a su hija, usa medias y zapatillas. El danzante que interpreta a la tortuga carga un caparazón hecho con un bastidor de madera y forrado de tela.
 Danzan catorce hombres, siete de ellos disfrazados de mujeres; también el Pancho, la Minga y la tortuga son personajes interpretados por hombres. La danza consta de siete sones que no varían mucho en la música, pero sí en los pasos. La música es interpretada por una banda de viento. En ocasiones no se respeta la coreografía de la danza y se improvisan pasos, para después retomar los originales.

Torovenado

Es una danza festiva popular de Nicaragua, verdadero carnaval burlesco y ridiculizante.
Su origenes desconocido.
Los personajes de los Torovenados son muchos, su número no tiene límite. Se suma los que aportan mascara todo el que quiere. La víspera o vela que es sábado, serealiza por la noche con todas las características de las tradicionales fiestasindígenas: marimbas, cohetones, nacatamales, mancarrones, chicha, etc.

Los Torovenados van en pequeños grupos, en parejas, o simplemente solos, según convenga a la mentalidad de sus caracterizaciones.
Llevan toda suerte de disfraces. La mayoría trata de imitar o ridiculizar a algún personaje de la localidad, del país odel extranjero, visten trajes viejos o anticuados, portan paraguas rotos y carteraspasadas de moda. Se ponen innumerables adornos y aditamentos, que no guardanninguna relación con el traje más bien desarmoniza.
El rostro se lo ocultan conmascaras de cartón, madera, guacales o cedazo. Algunas mascaras representan lacara del personaje ridiculizado.
Son tipos de estrafalarios y extravagantes, hacen gestos, muecas y payasadas, paradivertir al público. Un cuerpo de filarmónicos ejecuta los típicos sones de toro ocachos, enardecedores en extremo, es la música del Torovenado.
Todos danzan con entusiasmo y alegría, hacen contorsiones y gracejos sin perder un ápice del ritmo.En el léxico corriente de Masaya, se entiende por Torovenado, al que viste de modoestrafalario. La locución “Hacer un Torovenado” significa provocar un escándalo.

Danza del tigre

La Danza del Tigre es la que interpreta la gente de San Juan Colorado, municipio mexicano del distrito de Jamiltepec, al norte de Santiago Pinotepa Nacional. San Juan Colorado tiene aproximadamente 7.000 habitantes que se dedican principalmente a las tareas agropecuarias, la producción manufacturera, el comercio y la minería. En este municipio en donde poco más de 4,000 individuos mayores de cinco años hablan lengua indígena, el mixteco mantiene una gran vitalidad y es la lengua de la vida diaria y ceremonial.

La danza está inspirada en la historia de dos ricos ganaderos de la región. Don Manuel intenta comprar un perro cazador a un lugareño llamado José Ovejón, quien se niega a venderlo porque pertenece a su mujer, Doña Catalina. El perro, además de que no quiere separarse de su dueña, sólo con ella sabe cazar. Debido a lo anterior, Don Manuel contrata a los dueños para que vayan con su perro a cazar al tigre. Se inicia la búsqueda hasta que el perro encuentra al tigre, en ese momento comienza la cacería: José Ovejón le dispara con su escopeta, mientras Doña Catalina le señala el lugar en donde está el felino, y el perro ladra alrededor del árbol en el que se esconde. Doce danzantes acompañan a los cazadores bailando alrededor del lugar en donde está el tigre. Las balas no dañan al tigre porque es mágico, así que Doña Catalina le da unos ajos a su esposo para que cure su escopeta y rompa el hechizo. Finalmente mata al tigre, le quita la piel y lo tira a una barranca. Antes de dar muerte al tigre, el danzante que lo interpreta, junto con el que interpreta al perro, realizan pasos espectaculares y acrobacias simulando la pelea.
La danza se acompaña con los siguientes sones: el son del borracho, que se baila mientras se toma licor de una botella; el son de la iguana, en el que los danzantes simulan los movimientos de este animal arrastrándose; el son del perico, en el que los danzantes se ponen uno muy cerca del otro; y el son de Don Manuel Peña y Doña Catalina. Esta danza es interpretada por catorce personas dispuestas en dos filas, posteriormente se les suman el tigre y el perro. Todos los personajes son interpretados por danzantes masculinos.
El vestuario consta de pantalón blanco tejido de algodón, con un calzón de colores sobrepuesto que presenta además encaje desde la orilla hasta la rodilla. La camisa es tipo cazadora y se llevan dos paliacates, uno en la cabeza y otro en la mano. Usan una gorra adornada con chaquira de colores. La esposa del cazador lleva olanes y encajes en la orilla de su falda, también flecos a la altura de los hombros y en la cintura.
El tigre viste un traje amarillo moteado, una máscara de madera con las facciones del felino que tiene espejos en los ojos. El cazador usa chaparreras, chaleco de gamuza y sombrero; su esposa lleva falda, rebozo, camisa bordada y sombrero. Esta danza se realiza en cualquiera de las fiestas del año, cuando el mayordomo desea presentarla.

Danzas en el folklore de Oceanía

La música, danzas y arte de los aborígenes australianos tienen una notable influencia en la artes escénicas y visuales de la Australia contemporánea. La nación posee una activa tradición de música, ballet y teatro; muchas de las compañías de artes escénicas reciben fondos públicos a través del Consejo de Australia para las Artes. Existe una orquesta en cada ciudad capital, y una compañía de ópera nacional, la Ópera de Australia, que adquirió importancia gracias a la cantante de ópera Dame Joan Sutherland; la música de Australia incluye la música clásica, el jazz y muchos otros géneros de música popular.

Oceanía
 Se identifican en Australia y Nueva Zelanda danzas de origen primitivo con su sistema de organización social por tribus. Sus danzas son ceremoniales vinculados a mitos a donde piden alimento, el cual es escaso debido a las condiciones áridas adversas. Existen bailes festivos caracterizados por vivaces movimientos, saltos, pataleo y "chancleteo", que se bailan en eventos sociales como matrimonios, sepelios y eventos conmemorativos. Por ejemplo, los indígenas maoríes de Nueza Zelanda utilizan la danza "haka" como expresión guerrera en la que al son de las palmas y de golpear los pies contra el suelo, enseñan la genealogía de su pueblo y sus victorias alcanzadas.

Danzas en el archipiélago de Tonga
Tonga es un conjunto de 117 islas independientes ubicadas en el pacífico sur, donde las danzas son una de sus claves culturales de Tonga. A diferencia de las eróticas y cimbreantes danzas de Tahití o de Hawai, los bailes de Tonga son más sutiles y delicados. El baile más típico de las islas se llama "lakalaka", y en él participan mujeres puestas en fila, ataviadas con hojas de árboles, flores y conchas, marinas. Las danzas representan diferentes historias con el movimiento de las manos.

Otra de las danzas típicas es la ma''ulu, ulu", que se representa en las fiestas y los grandes actos oficiales. El baile responde a una coreografía que dirige un hombre de rango superior llamado punake que además suele componer la música que ilustra la danza. La puedes ver en este vídeo:

Tap

El tap fue llevado a los Estados Unidos durante el siglo diecinueve, y hoy es popular alrededor del mundo.  El nombre viene del sonido que hacen las placas pequeñas de metal colocadas en los zapatos del bailarín cuando tocan el piso.

La danza tap comenzó en el año 1830 en la vecindad de New York City como una fusión de las danzas irlandesas, escocesas e inglesas y posiblemente de la combinación de la danza africana. la más influyente de todas era la irlandesa. Los bailarines, inmigrantes de diversos grupos, se reunirían para competir y para demostrar sus mejores cualidades y movimientos. De esta manera, mientras las danzas se mezclaban, un nuevo estilo de baile nacía.

Posteriormente el tap prosperó en los E.E.U.U. a partir de 1900 a 1955, cuando era la danza principal de Vaudeville y de Broadway. Muchos grandes espectáculos incluyeron danzas tap como parte de sus demostraciónes. Durante algún tiempo, cada ciudad en los E.E.U.U. tenía ejecutantes aficionados al tap en la calle. La danza tap fue llamada danza del jazz, porque el jazz era la música utilizada por los bailarines de tap para realizarla. En los años 30, los años 40, y los años 50, los mejores bailarines de tap se movieron desde Vaudeville hacia las películas y la televisión. En los años 50, el estilo del espectáculo era cambiante. La música jazz y la danza tap declinaron, mientras que emergieron la música rock and roll y la nueva danza jazz, que ahora se llama jazz dance. Como la jazz dance fue desarrollada desde la danza tap, por ese motivo ambas tienen muchos movimientos en común. Pero, el jazz tap se desarrolló y continuó su camino por separado para convertirse en una nueva forma por derecho propio.

Características del Tap

Los bailarines de tap hacen el uso frecuente del syncopation. 
Las coreografías comienzan típicamente en el octavo golpe, o entre la octava y primera cuenta. Otro aspecto es la improvisación. Esto puede ser hecho con cualquier música y seguir los golpes proporcionados o sin el acompañamiento musical, si no conocidos se baila a capella. Hoofers es de los bailarines de tap, que bailan solamente con sus piernas, haciendo un sonido más ruidoso, puesto a tierra. Esta clase de tap que baila, también llamada “golpecito del ritmo”, se encuentra típicamente en ciudades o áreas pobres. La mayoría de hoofers, tales como Jr. de Sammy Davis, Savion Glover, y Gregory Hines, son bailarines negros. Los bailarines como Fred Astaire proporcionaron una mirada diferente, del salón de baile para golpear ligeramente los pies al bailar, mientras que Genne Kelly utilizó su gran y extenso entrenamiento de ballet clásico para incorporalo y crear su propio estilo. Hay una gran variedad de estilos y de técnicas en el tap que bailan diversos bailarines y es por eso, que existen diversas maneras de dar nombre a sus pasos y diversas maneras de enseñar.

Bailes de candil

Bailes de candil, antigua fiesta campesina andaluza y extremeña de baile en la que, aunque participaba principalmente la juventud, se hacía presente ‘la comunidad’, bien a través de las madres de las chicas que acudían, o bien –en el caso de las fiestas importantes- a través de algún personaje principal del pueblo o barrio, que asumía el papel de autoridad para dirimir posibles conflictos de orden. A principios del siglo XVIII se empieza a denominar a estas fiestas populares, así como a su música y aires bailables, como fandangos.

 Características 
Los bailes de candil son fiestas especialmente ritualizadas, tanto que podemos trazar una serie de características que, salvando las variaciones de época y lugar, se repiten una y otra vez. Las ‘constantes’ de dichas fiestas son:
La ocasión en que tenían lugar:
Las celebraciones festivas de la localidad o bien las largas noches de invierno, cuando la faena de trabajo en el campo era poca y la diversión escasa.
El lugar de la reunión:
Cuando la fiesta se celebraba con ocasión de una festividad local, el lugar solía ser al aire libre, en una plaza o en un patio de vecinos que diera cabida a toda la comunidad que participaba. Se disponía de la habitación más espaciosa de una casa particular, la de uno de los participantes en el baile, o más exactamente la de los padres de uno de los jóvenes interesados en organizarlo. La autoridad de las fiestas:Siempre hacían acto de presencia personas ‘respetables’ que debían controlar las reuniones de los jóvenes. Al menos se hacían presentes, por lo habitual, las madres de las chicas que acudían, que aunque no llegaran a bailar, vigilaban al tiempo que charlaban entre sí. En las fiestas especialmente ritualizadas (las de festividades locales) suele aparecer un personaje como presidente de la fiesta, alguien relevante socialmente, el alcalde de barrio. A veces el cura acompañaba y jugaba también este papel. Cuando surgían conflictos, actuaban como autoridad de apelación y en principio su decisión era respetada por todos.
La petición de pareja:
La ‘finalidad’ principal de estas fiestas, admitida por todos, era la de entablar relaciones de amistad entre jóvenes de distinto sexo, junto con la diversión y la relación social. La manera de sacar un hombre a una mujer a bailar tenía sus convenciones, que variaban de un lugar a otro. Una de las más extendidas era dirigirse a la chica y pedirle ‘por favor’ bailar con él. La mujer no debía negarse inicialmente, pero si el joven no era de su agrado, ella se retiraba una vez bailadas una o dos coplas. Si mientras bailaban, un tercero quería entrar a bailar, debía dirigirse no a la mujer sino al hombre, y éste debía acceder y retirarse. Si la mujer iba a gusto con el nuevo pretendiente, seguía. Si no, de nuevo declinaba. La iniciativa pues, era del hombre  pero las decisiones ‘últimas’ de la mujer.
El abrazo ritual:
Era práctica muy extendida que al final de cada sesión de coplas, cada bailaor tuviera derecho a dar un ‘abrazo ritual’ a la bailaora con la que hubiera bailado. Éste no solía pasar de un estilizado poner los brazos sobre sus hombros, o algún gesto similar. Cuando el abrazo era más efusivo de lo que la convención mandaba, ‘la comunidad’ llamaba la atención. El desenlace variaba, desde la provocación de risas e hilaridad en los mejores casos, hasta las peleas a navajazos e incluso muertes. Niveles intermedios eran el intercambio de frases más o menos fuertes, o la expulsión, por parte de ‘la autoridad’ de algún díscolo en el sentir de todos.

Danza Morris

Es una danza tradicional inglesa que por lo general va acompañado por música y que formaba parte antes de las procesiones y otras fiestas que celebraban sobre todo el mes de mayo. Se basa en la rítmica y la intensificación de la ejecución coreográfica de un grupo de bailarines. Implementa instrumentos como palos, espadas, pañuelos, aunque también puede ser ejecutada por los bailarines sin estos elementos. Un baile de Morris es un tipo de danza folclórica Inglés, por lo general acompañados por la música, y sobre la base rítmica paso a paso y la ejecución de las figuras con coreografía de un grupo de bailarines, a menudo utilizando instrumentos tales como palos, espadas, y pañuelos.
Una de las escasas muestras de expresiones festivas populares es el Morris Dancing, una colorista danza popular en la que danzarines vestidos vistosamente dan brincos agitando unos palos y haciéndolos chocar.

Orígenes 

Hay controversia respecto de la antigüedad de este estilo de baile, algunos alegan que los registros de danza morris se remontan a 1448. Otros, le asignan un origen berberisco y así el nombre derivaría de "moorish dance", que podría derivar a Morris Dance. Otra explicación más simple es que "Morris" proviene del término latín mores que significa "vestido". Se vincula con las moresques descritas por Thoinot Arbeau en su Orchésographie en 1589.

Estilos
Actualmente hay varios estilos diferenciados de Morris: Cotswold, North West, Border, Longsword dancing, Rappe y Molly Dancing.

Bharatanatyam

La etimología De la palabra Bharatanatyam tiene varias teorías. Una de ellas es que proviene del nombre del autor (Bharata Muni) del tratado sánscrito sobre artes escénicas Natya Shastra, que también se le llama el quinto veda en su referencia a la fundación de la religión hindú y su filosofía; y aparte, hay otra teoría popular en el que se cree que la palabra viene de:
bha de bhava o abhinaya:
expresión ra de raga: melodía
ta de tala: ritmo

Técnica
Se compone de:
Abhinaya o Natya - El arte dramático-narrativo
Nritta - Movimientos de danza, que actúan como un medio de descripción visual de los ritmos.
Nritya, o combinación de abhinaya y nritta

Los Karanas son los 108 movimientos transicionales que marcan el Bharatanatyam y otras danzas clásicas de India.
La mayoría de esto 108 karanas tienen una pose estática que actúa como eje central. Se supone que el artista debe pararse y mantenerla durante un período concreto de aproximadamente medio segundo

Un rasgo característicos del Bharatanatyam es el uso de los gestos de la mano como medio de comunicación. Los son precisamente esos gestos, que se usan exhaustivamente y están bien catalogados.El Hasta Anjali, por ejemplo, suele usarse como señal de saludo.
Los Adavus son series de pasos establecidos, y su ejecución varía enormemente de un estilo a otro. La mayoría de las escuelas reconocen 108 Adavus básicos, mientras que otras aumentan esta cifra hasta los 150. Pocos bailarines profesionales usan más de 60. Una combinación de Adavus se denomina Jathi, generalmente desarrollados en las partes Nritta de un ejercicio Bharatanatyam.


Las técnicas de Bharatanatyam incluyen otros movimientos, como complejas desplazamientos de cuello, cabeza y ojos. Abhinaya Darpanam definió un total de 9 movimientos de cabeza, 4 de cuello y 8 de ojos que se usan a lo largo de todo el baile.  Los orígenes del Bharatanatyam provienen del Natya Shastra escrito por el sabio hindú Bharata Muni (c. 400 E.C. - 200 E.C.). En tiempos antiguos fue practicado en los templos de Devadasi. Muchas de las antiguas esculturas de los templos hindúes se basan en las posturas de la danza Bharatanatyam, puesto que el Bharatanatyam viene a ser la representación terrenal de la danza de las Apsarās, las bailarinas celestiales. En el sentido más esencial, una deidad hindú es un ser venerado en su templo/residencia, al cual se ofrece un conjunto estándar de servicios religiosos llamados Sodasa Upacharas ("Dieciséis hospitalidades") entre los que se encuentran la música y la danza, agradables a los sentidos. Por lo tanto, muchos templos hindúes tradicionalmente mantienen complementos de entrenamiento musical y dancístico, al igual que los gobernantes indios. El Bharatanatyam como forma de danza y música carnática está profundamente basado en el Bhakti.
Se dice que es la encarnación de la música en forma visual, una ceremonia y un acto de devoción. La danza y la música son formas inseparables: sólo con Sangeetam, la danza puede ser conceptualizada.

 Ideas esenciales
 Bharatanatyam se considera una danza del fuego, una manifestación mística del elemento fuego en el cuerpo humano. Es uno de los cinco mayores estilos (uno por cada elemento), que incluye el Odissi (elemento agua) y el Mohiniyattam (elemento aire). Los movimientos de un auténtico bailarín de bharatanatyam se asemejan al movimiento del danzar de una llama. Actualmente, el bharatanatyam raramente es practicado como Natya Yoga, una tradicional meditativa sagrada, salvo por muy pocas escuelas ortodoxas.

Pericón

El pericón es una danza que es folclórica en Argentina, Uruguay y Paraguay. Esta danza consiste en un conjunto de parejas sueltas e interdependientes, generalmente ocho.

Historia
El pericón, junto al cielito y la media caña, forman un grupo de danzas evolucionadas en Argentina a partir de la contradanza europea. Son frecuentemente mencionadas de forma conjunta en documentos fechados en las primeras décadas del siglo XIX.
Desde el punto de vista de su coreografía, las tres danzas son contradanzas o cuadrillas, o sea que las diversas parejas coordinan sus movimientos para realizar diversas figuras. Este baile fue muy popular durante la primera mitad del siglo XIX y luego de caer en desuso en parte de la segunda mitad, fue recuperada por el circo y los movimientos tradicionalistas hacia el final del siglo.
Cuando los Podestá sustituyen el gato por el pericón, toman un pericón que aprenden con campesinos uruguayos. Para esa época el Pericón ya casi se había extinguido como género musical (tanto en Argentina como en Uruguay). Los Hermano Podestá "lo rescatan”.
La actual canción "Pericón Nacional", fue escrita originariamente por J. Podestá. Éste y su hermano A. Podestá lo llaman Danza Nacional Argentina finales del Siglo XIX. Más tarde, Gerardo Grasso, toma la parte del quinto acto de la obra original de J. Podestá, y transcribe la partitura (ejecutada por orquesta) reduciéndola a piano. Meses más tardes, Grasso Publicaría a esa partitura como "Pericón Nacional".

Inicios
En sus comienzos, esta tradicional danza, al igual que la media Caña, fue una variante del cielito. Algunos autores afirman que esta variante, se bailó con la ayuda de un bastonero, el cual recibía el nombre de "pericón", ya que él era el encargado de dictar las figuras, a la voz de aura ("ahora"). Es por esta razón que a la variante de la danza, se la llamó cielito apericonado. Con el transcurso del tiempo esta variante empezó a tomar importancia, distinguiéndose de aquella como danza independiente, adquiriendo el nombre de Pericón. Ya en 1794, durante la Expedición Científica Española comandada por Alejandro Malaspina, el Teniente de navío José Espinosa Y Tello -quien cruzó los Andes y la Pampa, partiendo de Valparaíso y llegando a Buenos Aires, desde donde pasó a Montevideo para reunirse con el resto de la expedición-, menciona acerca del hombre de campo: "juegan o cantan una raras seguidillas, desentonadas, que llaman de cadenas, o el pericón, o malambo, acompañándolo con una des­acordada guitarrilla, que siempre es un tiple. Otra referencia importante la hace Domingo Faustino Sarmiento en su libro Recuerdos de Provincia 1850.

Danza de Las Vegas

Según testimonio directo del actual guiador, esta danza fue traída por la familia Guimerá desde Tarragona, de un pueblo llamado El Vendrell durante el siglo XIX.
Aquí se le acopló una música entre tajaraste e isa en un ritmo continuo sin letras Seguramente la Danza de las Vegas desciende de los Ball de Valencians, o Bailes de Valencianos: Hasta principios del siglo XIX se tiene noticia en diversas poblaciones de toda España de unos grupos de danzarines provenientes del País Valenciano.
El Ball Valenciano, como su nombre indica, es un baile, una danza saltada en la que los danzarines cogidos de las manos dan vueltas, giros y forman figuras, y por último hacen una construcción humana. Las figuras y cuadros que componen el Baile de Valencianos son las siguientes: pasadas, cruzadas, contradanzas de manos, los molinetes, la torre, puntos, la gran estrella, la cadena y la cruz andante. La melodía se compone de 32 compases más 16 compases de percusión del tamboril.
Los Bailes Valencianos no desaparecieron de la comarca de Tarragona, sino que a partir de éstos se desarrollaron lo que actualmente son los famosos Castelli. En los años 90 se ha recuperado el baile original. Los castillos, figuras formadas por hombres, mujeres, y en la parte superior niños, que van colocándose en equilibrio unos sobre otros hasta alcanzar alturas de hasta nueve pisos, tal como se conocen hoy, no son más que el fruto de una evolución constante de más de dos siglos y que proviene del pequeño castillo que formaban los componentes de estos Bailes de Valencianos al final de su actuación que, con el paso del tiempo, fue ganando en importancia en detrimento del resto de cuadros, hasta que se produjo la diferenciación definitiva entre ambos elementos.
 La Danza de las Vegas pues, es posiblemente uno de los últimos ejemplos de estos Bailes Valencianos, seguramente muy modificados al adaptarse a esta Isla. Otras danzas relacionadas con la de Las Vegas son la de Chimiche, que deriva de la Vegas; y la de San Luis, en Charco del Pino, que probablemente también tiene su origen en la de Las Vegas.
 Desarrollo de la Danza La Danza de Las Vegas se acompaña de guitarras, laúdes, y en ocasiones violín, y del ritmo de las chácaras que tocan los dos chacareros, a la vez que bailan. Los tocadores van vestidos de calle. La bailan siete personas, sujetas entre sí por unas varas de madera flexible (de hoja de palma) cubiertas con papeles de seda desflecados. Los siete bailadores se colocan en dos filas simétricas, unidas por el guiador, que va en el centro. El guiador sujeta a una pareja, los de la mano. Cada uno de éstos va unido a otra pareja, los del centro y por último, en los extremos están los chacareros. El guiador va haciendo las figuras, adaptándose a las condiciones de la calle (si es más o menos estrecha elegirá las figuras que mejor convengan) y controlando en todo momento que la danza se desarrolle bien. Hay diversas figuras, como por ejemplo: la estrella; el pase de varas, con el guiador rodilla en tierra mientras los otros bailadores van saltando las varas el resto de los danzadores al mismo paso; pases por debajo de la vara, etc.
La vestimenta de los danzadores, muy colorista, es:
Alpargatas y medias hasta la rodilla, Pantalones bombachos de diferentes colores según el puesto en que se baile, con una banda de tela en la cintura. Camisa blanca y una banda de tela en el pecho, con adorno en el hombro, y que lleva bordado: ìLas Vegasî y que está cruzada uno u otro lado según el lugar en que se baile, excepto el guiador que lleva dos bandas al estar en el centro. Gorro similar a una boina ancha adornada con cintas de colores y escarapela, del mismo color que el pantalón.
 Los colores de cada bailador son: El guiador lleva pantalón rojo y bandas roja y azul Los de la mano pantalón amarillo y bandas azules Los del centro pantalón rosa y bandas verdes Los chacareros pantalón verde y bandas rojas

Baile de bastones

El baile de los bastones es una danza popular muy extendida por Cataluña y Aragón.
Se engloban, bajo este nombre, un conjunto de bailes que utilizan, como elemento principal, uno o dos bastones que se golpean entre sí.
Los orígenes del baile de bastones no están bien definidos.
Hay folkloristas que opinan que proviene de ritos agrarios prehistórios; otras tesis sostienen que su origen proviene de las danzas pírricas griegas; y la tesis más extendida remonta su origen a una evolución de las antiguas batallas mantenidas con espadas.
Pero no cabe duda alguna que el baile de los bastones es la danza tradicional más antigua de las que todavía se bailan en Aragón y Cataluña. Los bailes fueron muy populares en el siglo XV y persisten en Francia, Italia, Inglaterra y Gales, España y Portugal.
En las culturas del Magreb también hay danzas tradicionales con bastones, y algunos pasos de algunos de ellos se han integrado dentro de la danza del vientre. En Cataluña y Aragón, la simbología del baile de los bastones es la interpretación de dos bandos luchando, haciendo diferentes movimientos y alternando la lucha con el entrecruzamiento de los bandos que se distinguen por los colores de su vestuario. Los bastones, elemento esencial para esta danza, están hechos, normalmente, con madera de encina seca, miden unos 40-50 cm. de largo, con un grosor de unos 5 cm. Estas características no son generales, ya que cada grupo tiene sus bastones propios hechos a su gusto. El vestuario es muy variado según el pueblo, la zona o la formación que ejecuta esta danza, pero hay elementos comunes. El calzado, la típica “espardenya” (zapatilla), pantalones blancos, un faldellín, faja de color, camisa blanca y un pañuelo de color –el que representa a cada grupo- cruzado en el pecho. Algunos grupos no utilizan el faldellín, otros usan pantalones de terciopelo, pañuelos en la cabeza u otros elementos propios de cada lugar.
El bajocamas, figura emblemática del baile de bastones y que consiste en hacer picar los bastones, haciéndolos pasar por debajo de una cama. Los saltos en que los danzantes saltan para picar en el aire con otro, y los golpes en tierra con los bastones, movimiento que algunos folcloristas han interpretado como reminiscencia de ritos de fertilidad a la tierra. La melodía es un elemento con especial relevancia en el baile de bastones, generado principalmente por los golpes de los bastones y los instrumentos musicales así como por el tintineo de los cascabeles, los golpes en el suelo e, inclusive, los gritos de los danzantes. La combinación de todos estos elementos configura un marco sonoro concreto y propio de cada baile.
Históricamente siempre se ha bailado al son de las chirimías (grallas) y del tabal (timbal). La música del baile de bastones suele componerse de tonadas sencillas, muchos golpes repetitivos. Algunos bailes de bastones tienen músicas propias pero un gran número utilizan melodías populares o incluso canciones modernas. Hay catalogadas más de mil melodías diferentes que se utilizan como baile de bastones. La estructura básica de los bailes acostumbra a ser una doble hilera de ocho danzantes, pudiendo añadir grupos adicionales de cuatro danzantes, aunque varios grupos han introducido otras estructuras como el círculo los bailes de seis danzantes. Los bailes suelen ser cortos, de aproximadamente un minuto y el elemento central del baile son los golpes de bastón con los otros danzantes.Durante los bailes se pueden identificar una serie de elementos comunes. Las pasadas como movimientos donde los danzantes se cruzan, pasando en direcciones opuestas y picando para ir a buscar a otro danzante.

Isa

Se toca con guitarra, laúd, bandurria y timple (instrumento típico canario) su canto y baile es popular donde los bailarines trenzan y ejecutan piezas muy sencillas, que se van ampliando hasta su terminación. Todo ello va salpicado de coplas agudas y picantes estribillos, más o menos socarrones donde el humor canario hace su presencia. Es este uno de los pocos cantos y bailes de alegría y parranda romera que no le faltan parientes en el continente americano (el poricón argentino, el corrido mejicano y las danzas chilenas)que son muy parecidos, la coreografía del baile es de origen barroco y sus caprichos de enlaces entre parejas y figuras variadas se remontan desde siglos aún sin precisar

 Origen:
La isa deriva tanto rítmica como melódicamente de una raíz común en torno a la gran variedad de jotas peninsulares que recalaron en las islas tras su conquista. De hecho, en algunos lugares del archipiélago continúan siendo conocidas por el nombre de jotas o jotillas.
 Baile: Cuando la isa llegó a Canarias, su danza no distaba demasiado de la coreografía de la jota. Consistía pues en una composición rítmica que los bailarines ejecutaban ataviados con castañuelas en la que realizaban los característicos saltos correspondientes a la jota. Poco a poco se abandonaron las castañuelas y los saltos fueron cediendo a movimientos menos impetuosos en los que imperaba la estética. Con el paso del tiempo la isa ha ido reuniendo diferentes figuras coreográficas que dan como resultado la pieza que a nuestros días ha llegado en la que se combinan pasos de baile individuales, en parejas y también en grupos.

Pasodoble

El pasodoble es la música de un baile español de compás binario y movimiento moderado. En su versión para banda fue introducido en las fiestas de los toros.

También se utiliza en los desfiles militares como marcha, en las que el paso reglamentado está en 120 por minuto. Orígenes del baile Orígenes del baile Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538. Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos, además, uno de los pocos bailes de pareja que siguen arraigados hoy en día. Está presente en muchas fiestas y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y repetitivo". También se cree que este baile pudo originarse en Francia, donde se llamó pas-redouble, tocado por bandas para marchas militares desde 1780. Desde este país se fue desarrollando y extendiendo a otros territorios como una marcha rápida de infantería que regulaba el paso de los soldados.

Es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La posición de la pareja es igual a la de todos los bailes de salón, uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado.

Bachata

La bachata es un ritmo bailable  originario de Republica dominicana. Se considera un híbrido del bolero con otras influencias musicales de origen africano  y con otros estilos como el son, el merengue  y el chachachá.
Durante los años 60 y principios de los 70 , era desdeñada como música de las clases pobres, haciendo alusión al estado de melancolía provocado por el desamor. Su difusión por esos años, estuvo limitada a algunas escasas emisoras ya que era considerada una música vulgar. El interés masivo por el ritmo surgió a partir de los años 80.



Etimología
 De los años 20, el termino bachata designaba en Cuba un tipo de reunión social, emparentada con la jarana de la época, definido por la presencia de varios genero de musica y baile populares. Etimológicamente, es de origen africano y designa la juerga, el jolgorio y la parranda.
Las dos menciones más antiguas acerca de la bachata que hemos encontrado en documentos datan de 1922 y 1927. La primera la contiene un informe que se refiere al hombre común del poblado de Sabaneta, en la Línea Noroeste, y dice que este encuentra en el pueblo "todo lo que puede halagar sus vicios y apetitos mal contenidos: peleas de gallos, golosinas y ron; pero lo que más le encanta y atrae es la fiesta (si es de acordeón) o la bachata si es de guitarras y cantos o boleros. Allí se está largas horas, entre trago y trago, sin que le preocupe para nada la heterogeneidad social de conjunto, ni el hálito asfixiante con que el polvo y el sudor enrarecen el ambiente, ni la forma incivil con que se arrebatan unos a otros las bailadoras, hasta que muy entrada la noche vuelve achispado al hogar".

Origen
 El llamado bolero rítmico latinoamericano de los años 30 a 50 penetró en el gusto de los dominicanos. Estos boleros se mezclaron con otras expresiones latinoamericanas que fueron muy populares en los años 50 en Dominicana como el bolero cubano, el pasillo, entre otros. También el estilo de autores y cantantes como Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas, de Ecuador; Guty Cárdenas, Luis y Tony Aguilar, y Cuco Sánchez (de México); Felipe Pirela (de Venezuela) entre otros, inspiraron a músicos populares como José Manuel Calderón (músico), Tommy Figueroa, Inocencio Cruz, y Rafael Encarnación, para articular una expresión propia de la República Dominicana a partir los años 1960.

Baile
 El movimiento básico del baile es una serie de pasos simples que produce un movimiento de adelante para atrás, o de costado a costado. Un posible esquema sería de la siguiente manera: con el pie derecho haga un chassé hacia la derecha, en 1, 2 y 3. En 4, acerque la punta del pie izquierdo al pie derecho (alternando, golpeando ligeramente la punta del pie izquierdo en su lugar, o sea, aparte del pie derecho, haga un movimiento para arriba con la cadera izquierda). Luego haga lo mismo pero empezando con el pie izquierdo.