El Cielito o Cielo es una danza tradicional que surgió en la región pampeana bonaerense, (región que forma parte de la actual Argentina), en la época en que esta región formaba aún parte del Virreinato del Río de la Plata. El musicólogoCarlos Vega y otros afirman que evolucionó en Argentina a partir de la "Country Dance"inglesa a partir de su llegada a Buenos Aires en 1730. Carlos Vega hace un profundo estudio de esta danza, y halla sus orígenes reales en "Danzas Populares de Argentina". Por otro lado, algunos autores como el musicólogoLauro Ayestarán afirman que debido a los años en que nació y se desarrolló musicalmente, su historia no es del todo clara ni uniforme.
Esta danza es folklórica en Argentina, Uruguay y Chile. Fue ladanza y el canto propio de la Independencia. Se bailó en los salones cultos argentinos hasta la tercera década del siglo XIX y en los bailes populares chilotes hasta mediados del siglo XX.
Características. El Cielitoproviene de alguna danza culta, se bailaba en los salones porteñosprincipios-mediados del siglo XVIII, pero se lo modifica con elementos vivaces, propios de danzas populares picarescas.
De este modo, era una danza que combinaba el estilo majestuoso, culto y grave de la contradanza, y el estilo vivaz, popular y picaresco del cuando. A algunos les recordaba al jaleo español, y que los dedos de las parejas eran usados como castañuelas.
Cómo bailar, (Dos parejas).
Los pasos para bailar el Cielito, con dos parejas,son los siguientes:
Vídeo.
Aquí os muestro un vídeo de este baile, el Cielito:
El Xiringuelu o Xiringuelo es un baile popular asturiano, caracterizado por sus pasos muy movidos, de donde viene el nombre ''xiringar'' significa moverse, agitarse. Este baile se origina en el siglo XVII.
De ahí el nombre de xiringuelu que se da a la romería que se celebra el primer o segundo domingo de agosto, en el Práu Salcéu situado en la ribera del Río Nalón. Esta celebración se realiza para las peñas de los pueblos, a la orilla de los ríos, en las que las peñas festiva la jornada donde beben sidra al estilo tradicional de su tierra. Esta presente la música tradicional de ese día, la gaita asturiana y bailes regionales.
Los saltones es un baile de los más antiguos de Asturias, aunque es mucho mas rápido que ninguno. Su nombre procede de la exageración que tiene dicho baile. Es una pieza clásica de los gaiteros, quienes acompañan a los bailarines. También es conocido como xiringuelu, porque va saltando de un cantar a otro, lo que hace el que el baile el saltón sea un baile improvisado, porque es todo rápido y apenas hay tiempo de pensar como bailarlo.
Las Giraldillas es un estilo que pertenece a Asturias, Patria Querida, Chalaneru, el Carmín de la Pola , El mio Xuan.
La giraldilla es una danza asturiana de compás binario y muy sencillo, cuyo nombre obedece el hecho de que se ejecuta girando en rueda, aunque ésta no sea la única explicación para todas las canciones así denominadas , ya que las que constan de estribillo se interpretan cantando en rueda solamente la frase de la estrofa y al llegar al estribillo la formación se deshace para bailar por parejas.
El corri-corri es la danza mas antigua que se conserva en Asturias. Su carácter es indudablemente ritual y mágico. Original de Cabrales, extendido por la zona oriental y central de Asturias.
El corri-corri es natural. Un hombre el ''bailín'' da réplica a un grupo de mujeres de seis , ocho o más que llevan en sus manos laurel, mientras las cantaoras, mujeres mayores que tocan que tocan el tambor y las panderetas, mientras el hombre da saltos y brincos, las mujeres realizan pequeños círculos a la derecha y a la izquierda, moviendo los brazos y moviendo el cuerpo de un lado para otro.
Su aparente sencillez esconde un estilo nada fácil cuyo resultado de gran belleza.
El bullerengue o bullarengue es un género musical y danza de la costa caribe y de la provincia de Darién. En Colombia, la palabra ''bullerengue'' significa falda de maternidad. En cambio, en Panamá se entiende como la unión de las palabras bulla y arenga , es decir, bullarenga.
El ritmo es bien marcado, ejecutado con tambores , sin ninguna derivación hacia la melodía. Las jóvenes salen al patio en fila , dando palmas con las manos en alto, a paso corto, similar al de la cumbia y en posición erguida. Se suceden varias figuras, usando las faldas, que simbolizan la ofrenda de la fertilidad. Intrumentos: - Tambor llamador ( macho). - Tambor alegre ( hembra). - Tambora. - Maracas. - Palmas y tablas( o gallitos).
En Colombia se realizan cada año un festival nacional de bullerengue en poblaciones como Puerto Escondido, Córdoba; María la Baja, Bolívar y en Necoclí, Urabá antioqueño. En Panamá se da en La Palma, capital de la provincia de Darién.
Los Verdiales son un cante campesino que ha conservado toda su pureza a pesar de los años. El grupo folclórico lleva por nombre ''Panda de Verdiales'' y está compuesto por instrumentos como las guitarras, violines, panderetas, castañuelas, platillos metálicos, botellas, cañas , y otros objetos caseros. El ''Alcalde'' lleva una vara con cintas de colores y es quien dirige el grupo.
Existen varios tipos de verdiales, según cada pueblo, cada costumbre.
El cante de los verdiales es de ritmo rápido, su compás consta de 3 tiempos y es cantado por un solo cantaor. También pareja y con pasos muy estudiados. En sus letras se hace alusión a Málaga, a sus pueblos y sus costumbres y a temas de amor.
La Rueda de casino o Rueda cubana es un estilo de baile para el son montuno o guaracha y luego para el nombre comercial que se le pondría a toda la música cubana bajo un solo nombre, salsa.
La rueda nació en Cuba en la década de los 5O, en el año 1956. Su nombre se debe a que se surgió y se bailó por su primera vez en el Club Casino Deportivo de este país.
Este baile lo forman parejas de bailarines en un número de personas , no tienen dicho número ya que pueden bailar todas las que quieran. Debido a la que la rueda la integran varias parejas se hace necesario poner nombre a las figuras que se hacen con el baile con la finalidad de que sean entendidas. Los nombre de las figuras que se hacen pueden variar según los países o incluso entre algunas ciudades.
Os pongo también un vídeo de la rueda que bailaron nuestros compañeros de 4º de ESO en el festival de fin de curso de 2010:
Fue un baile suelto y vivaz. Al aparecer en la corte francesa en 165O se hizo simple y elegante. Sus figuras decían numerosas oportunidades para intercambiar refinados, reverencias y cortesías.
El minueto, también llamado minué, es una danza muy antigua danza tradicional, que alcanzó su desarrollo entre 167O y 175O. Fue introducida con el nombre de minuet en la corte francesa por Jeans-Baptiste Lully en 1673, que la incluyó en sus óperas y a partir de ese momento formó parte de óperas y ballets.
Grandes compositores de la música clásica se han servido de ella para sus obras (Don juan, de Wolfgang Amadeus Mozart).
Suele tener carácter humorístico y forma parte de sonatas y sinfonías. Fue una de las danzas preferidas de Luis XIV. Al principio, el minueto de compás ternario era muy rápido , pero al paso del siglo XVII fue muy moderado por su movimiento.
Es la danza de la suite conservada en la sonata: en las sinfonías de Joseph Haydn y de Carl Stamitz todavía pueden encontrarse algunos minuetos , pero la mayoría desaparecieron al ser sustituidos por el Scherzo.
El Quickstep fue creado por parejas caribeñas y africanas. Mas adelante , durante la Primera Guerra
Mundial , se desarrolló en los suburdios de Nueva York.
El Fox- Trot y el Quickstep tienen el mismo origen , en los años 2O muchas bandas musicales tocaban Slow-foxtrot muy rápido, lo cual le daba más alegría al baile.
El charlestón y el One step, tuvieron muchas cosas con el desarollo del Quickstep.
El Quickstep posee escasas diferencias entre el ISTD y el IDTA , y aunque no es oficial en las competencias de baile americanas, sigue formando parte del baile social.
Elhulaes la danza tradicional Hawaiana, una forma de danzaacompañada de cánticos o canciones.
Fue desarrollado en lasIslas
Hawáipor losPolinesiosque se establecieron allí
primeramente. El cántico o canción se llamamele.
Existen dos clases de hula: El
antiguo hula, tal y como se practicaba antes del contacto occidental con Hawái,
se llamakahiko, se acompaña de cánticos e instrumentos tradicionales. El
Hula, tal y como evolucionó bajo la influencia occidental en los siglos XIX y
XX, se llamaʻauana. Se acompaña de canciones e
instrumentos musicales de influencia occidental como laguitarra,
elʻukuleley elcontrabajo.
Las pulseras tobilleras de diente de perro que llevan a veces los hombres
al bailar, se pueden considerar también instrumentos, ya que marcan el sonido
de los pies.
Vestimenta
Las mujeres que lo bailaban vestían el pāū de
todos los días o falda envuelta, que dejaba el pecho al descubierto,
como señal de demostración de lujo. También podían lucir collares, brazaletes,
pulseras tobilleras y coronas.
Los hombres vestían el malo de
todos los días o tela de costado. Igualmente podían llevar un malo voluminoso,
hecho de mucha tapa. Lucían también
collares, brazaletes y pulseras
tobilleras.
Los
pasos básicos son:
1.Dibuja un ocho con la cadera, ayudate estando bien
flexionada y levanta talones alternadamente.
2. 4 pasitos a la
Derecha y 4 a la izquierda, flexiona y trabaja la cadera con ka'o
3. Con las piernas
muy flexionadas estira pierna derecha e izquierda mientras balanceas la cadera.
4. Sube pierna
derecha, pisa el suelo e impulsa ambas rodillas al frente, lo mismo a la
izquierda.
5. Abre pierna
derecha, haz una hela con la izquierda junta de nuevo las dos e impulsa
rodillas
6. Comienzas un
circulo desde atrás hacia el frente, cuatro en cada lado, derecha e izquierda.
Chulaes una danza típica delRio Grande Del Sur(Estado del sur de Brasil).
Danzada en
desafío, practicada casi solo por hombres. La chula delRio Grande del Surviene
de la chula dePortugal. Lachula
portuguesa(antigua
chula) está basada en batidas de los pies y en los desafíos.
En el suelo se coloca una vara de madera denominada lanza que mide aproximadamente 4 metros de largo, con dos o tres bailarines en
sus extremidades y al sonido de la gaita (nombre dado a las personas y
de las cosas provenientes del Rio Grande del Sur), los bailarines ejecutan
diferentes zapateados, avanzando y reculando sobre la lanza. Después de cada
secuencia realizada, el otro bailarín deberá repetirla y en seguida realizar
una nueva secuencia, generalmente más complicada que la de su aparcero. Así,
vencerá el bailarín que no pierda el ritmo, no encostar en la vara y consiga
realizar la secuencia coreográfica danzada como desafío por el bailarín
anterior.
La
chula antiguamente era usada durante los bailes, donde dos peones querían
danzar con una misma prenda (nombre dado a las mujeres de los gaúchos) entonces
desafiabanse, y aquel que hiciese el paso, en zapateo, sin errores tendría el
derecho a danzar con esta prenda a lo largo de todo el baile.
La Odissi en una de
las danzas más bellas de la India, la historia del Odissi comienza hace miles
de años en los templos situados en la región del este de la India.
Las Danzas Clásicas
de India evolucionaron como una expresión espiritual de devoción al Ser
Superior.Odissi fue un arte preservado durante siglos por
bailarinas-sacerdotisas, las devadasis (conocidas como Maharis en el estado de
Orissa, cuna del Odissi), mujeres consagradas al templo quienes tenían como
manera de devoción a la deidad la música y danza. Odissi respresenta un modo de
oración de las bailarinas dedicadas al Señor-Dios Jagannath.
Es un arte
sofisticado y reconocida por sus movimientos curvos y femeninos, es una
expresión de devoción y entrega. Su complejidad la hace cautivante através de
sus movimientos rítmicos y melódicos, llenos de belleza y significados.
Una de las esencias
del Odissi como un estilo de danza recae en su calidad escultórica. La danzas
clásicas de la India son una forma de arte tradicional que esta ligado a la
mitología y la literatura clásica donde culmina su máxima interpretación,
siendo así las distintas formas de trabajar el Odissi desde Nritta – la danza
pura y rítmica- y Nritya – la danza con contenido literario y expresivo. Es un
arte que necesita tiempo, devoción y dedicación, y que ofrece a cambio una
enorme satisfacción a nivel corporal, expresivo y espiritual. Las clases
de Odissi comienza con teoría Védica sobre meditación y movimiento, incluyendo
la enseñanza del “puja” en sánscrito y Yoga. Luego sigue el entrenamiento
propio del Odissi, apuntado a desarrollar equilibrio y fuerza, trabajo de
disociación y concentración. Las 2 posturas fundamentales en Odissi, con la
Choka y Tribungi que son enseñadas y trabajadas con sus respertorios.
La delicadeza de los movimientos de los ojos junto
con los mudras son detalles que realzan la riqueza expresiva de esta danza.
La Chacona es una danza en tres tiempos de origen español que a través de España se difundió por toda Europa durante el siglo XVII. A la Chacona se le aplicaban variaciones en el bajo. Monteverdi y Frescobaldi usaron ritmos mas lentos del tipo de la zarabanda.
Su origen alegre y vivaz evolucionó en el siguiente siglo a una danza más cadenciosa y por su forma ternaria semejante a la pasacalle.
Forlán o Forlane (del italiano furlana) es una danza tradicional de ritmo rápido originaria de Friuli. Fue introducida en Francia a finales del siglo XVII, y pronto se convirtió en una danza cortesana. De ahí paso a ser incluida a ser movimiento de algunas suites barrocas francesas y alemanas y posteriormente de la suite romántica.
En cuanto a su uso cabe destacar que Johan Sebtastian Bach incluyó un Forlane en su primera suite orquestal :
La Gallarda fue un tipo de música y una danza muy popular en el siglo XVI en toda Europa. Se la menciona en varios manuales de danza. Los ejemplos más antiguos de esta danza se conservan en París.
La Gallarda es improvisada con los danzarines combinando patrones de pasos que ocupan uno o más compases de música. En una medida, la gallarda suele tener 5 pasos, aunque puede incrementar su duración.
Un paso especial que se usaba en la gallarda era "la volta" un acercamiento cerrado e íntimo con la pareja, con la dama elevada por el aire y ambos girando 270 grados dentro de un periodo de seis tiempos.
La gavota, originada como una danza popular francesa, tiene un tempo de 4/4 o 2/2 , la distinción básica de la gavota original es que las frases comienzan a la mitad del compás, es decir en la tercera nota.
Las gavotas en algunas regiones se acompañan por cantos, con solistas alternando con un grupo y otros solistas. En otros lugares se acompañan con instrumentos como violín, tambores, gaitas, etc...
A diferencia del Branle, la gavota requiere cruzar los pies dos veces en cada patrón rítmico y cada paso es seguido por un salto. Muchos movimientos de pamtomima pueden formar parte de la danza de la gavota.
La Polonesa es una forma musical consistente en un movimiento
de marcha moderada y ritmo ternario (3/4), con característico comienzo
en ritmo tético y fin en prótesis. Es la danza nacional de Polonia.
Algunas de las polonesas más destacables y famosas son las de Frédéric Chopin.
Nació como un baile, como excusa de los nobles para mostrar sus
fastuosos hogares a sus allegados y hasta a la denominada plebe. Se
cree que esta fue una de las primeras formas de discriminación.
Los temas que trataban eran diversos, iban desde historias de alto
contenido erótico, hasta situaciones de la vida diaria pasando por
encuentros con duendes y criaturas mitológicas. Es una danza polaca de
movimiento moderado y en compás de 3/4. En su origen (siglo
XVI) era una marcha solemne que daba principio y fin a una fiesta
realizada en casa de una familia de la nobleza;
las parejas, tomadas de las manos y guiadas por el dueño de la casa,
atravesaban las salas, las galerías y los jardines, haciendo los más
extravagantes movimientos, en ocasiones el dueño guiaba la marcha, que
recorría desde los jardines hasta los baños.
Las melodías de la polonesa suelen ser de una estructura simple, a
base de frases breves. Posee un ritmo muy característico en el que se
combinan corcheas y semicorcheas, junto a un baile, Durante el Siglo
XVIII se produjo la estilización de la polonesa. Es en esta época donde
la polonesa se entronca dentro de la suite,
tomando la forma de zarabanda o de rondó.
Las polonesas de Bach ofrecen los rasgos característicos del compás
ternario, las frases sin anacrusas y un ritmo característico con la acentuación en el segundo tiempo.
Ejemplos famosos de polonesas barrocas son los que contemplamos en las
siguientes obras de Bach: Suite francesa nº 6 y Suite orquestal nº 2.
Amaggunju es una danza
folklórica baganda
que se bailaba en el palacio del rey. En un momento, el rey Mulondo
murió sin dejar herederos. Afortunadamente, dejó tras de
sí muchas mujeres embarazadas, por lo que los curanderos y
médicos tradicionales buscaron una esposa que estuviera a punto de
parir.
Una de las esposas, Namulondo,
estaba esperando un hijo, así que se sentó en el trono, y la
gente entendió que no era ella quien estaba gobernando, sino
el hijo no nacido.
Cuando nació el príncipe
gobernó, incluso antes de que el rey muerto hubiera sido
enterrado. Cuando mueren los reyes de
Buganda, se considera que no se debe llorar, ya que esto
traería maldiciones y mala suerte para el reino. Los tíos y tías
del joven príncipe creó la danza
amaggunju
para que el bebé sonriera. Los hombres se pusieron
cascabeles en la piernas, y el sonido hizo que el príncipe
estuviera feliz. Originalmente, esta danza
sólo podía ser ejecutada por personas de la Obutiko o clan
de los hongos, y sólo en el palacio.
La mascarada Makishi señala fin de la mukanda, un
rito anual de iniciación
para los niños de ocho a doce años. Este rito es celebrado por las
comunidades Vaka Chiyama
Cha Mukwamayi, a las que pertenecen los pueblos
Luvale,
Chokwe,
Luchazi
y
Mbunda,
que viven
en las provincias del noroeste y oeste de Zambia.
Generalmente, al principio de la estación seca, los niños dejan sus
hogares para pasar un periodo de uno a tres
meses en un campamento aislado en la selva. Esta separación del mundo
exterior marca su muerte simbólica en tanto
que niños. La mukanda incluye la circuncisión de los iniciados, dar
pruebas de valor, y lecciones sobre su futuro
papel como hombres y esposos. Se asigna a cada iniciado un personaje
enmascarado particular, que lo acompaña a lo
largo de todo el proceso iniciático. El Chisaluke representa a un hombre
rico y de gran poder, con influencia
espiritual; el Mupala es el “señor” de la mukanda y el espíritu
protector, con capacidades sobrenaturales; Pwevo
es un personaje femenino que representa a la mujer ideal y es
responsable del acompañamiento musical de los ritos
y danzas. El Makishi es otro personaje enmascarado, que representa el
espíritu de un antepasado difunto que vuelve
al mundo de los vivos para ayudar a los niños. El final de la mukanda se
celebra con una ceremonia de
reconocimiento. El pueblo entero asiste a la danza y la representación
de la pantomima Makishi hasta que los
iniciados regresan del campamento para incorporarse a sus comunidades
como adultos.
La mukanda tiene una función educativa consistente en transmitir
técnicas de supervivencia y un conocimiento sobre
la naturaleza, la sexualidad, las creencias religiosas y los valores
sociales de la comunidad. En épocas
anteriores, se prolongaba a lo largo de varios meses y representaba la
razón de ser de la mascarada Makishi.
Hoy, suele reducirse a un mes para adaptarse al calendario escolar. Este
cambio, junto con la demanda creciente
de bailarines de Makishi para las reuniones sociales y políticas, podría
afectar el carácter original de este
ritual.
Para Para (パラパラ,Para Para también "Para-Para" o "ParaPara")
es un baile japonés popular que normalmente se baila en grupos. A
diferencia de la mayoría de los clubes, hay movimientos específicos y
prefijados para cada canción, y todos deberán hacer los movimientos al
mismo tiempo. Se dice que el parapara existe desde los 80,
cuando en Europa aparece el Italo Disco, Euro Disco, y posteriormente
Música de la Nueva Ola en Japón (a mediados de los 80), pero no ganó
mucha popularidad fuera de Japón
hasta finales de los 90,
cuando se hizo más famoso. Hoy en día es conocido en todo el mundo,
especialmente en Pacific Rim y se suelen hacer concursos del mismo en
las convenciones Otaku.
El ParaPara se divide en 3 partes en cada canción: Intro (Principio y
final de cada canción) Melos (Estrofas) y Sabi (Estribillo o Coro),
cada una con sus distintivos pasos de baile. Cabe recordar que en este
baile cada canción tiene una coreografía o rutina diferente.El ParaPara tiene sus variaciones dependiendo del estilo de música
con que se baile, siendo las más reconocidas el TechPara (Asociado a la
música Techno-Rave) y el TraPara (Asociado a la música Trance). La
diferencia entre ellos es mínima, sólo diferenciándose en el casi nulo
movimiento de los pies y de brazos, algo más pausado, en el caso del
TraPara, y con más rapidez y complejidad en el caso del TechPara, DANCE
SHOT es una variante del parapara Se basa en movimientos mas cortos y
dinamicos de brazos y manos. además se dan pasos cortos y pequeños
saltos.
Parapara en españa:
Hablar del ParaPara es hablar de las Gyaru, y en España no es una
excepción. Las primeras que empezaron a bailar esta modalidad de baile
fueron los iniciales circles de Barcelona, tales como Hysterical (de
mucha fama nacional e internacional en estos momentos) o Sunshine
Paradise Tribe (ya desaparecido). Icluso antes de su formación, las
chicas aspirantes a gyaru ya bailaban en las calles de Barcelona ese
"desconocido" baile. Las primeras gyaru en España existen desde 2005 y
2006 aproximadamente.
El primer evento importante que realizó actividades de ParaPara fue el Expomanga
de Madrid, que ya en su edición de marzo de 2004, realizó el primer
concurso Expomanga de coreografías Parapara, en colaboración con la
Asociación Genesis. Concurso que se repitió en siguientes ediciones.
Actualmente, Expomanga realiza talleres, exhibiciones y concursos de
ParaPara, en colaboración con el grupo valenciano Hyper Techno Aqua.
El
Abozao
es
una danza folclorica del Choco, en el pacífico colombiano. Está
escrito a 6/8, muy parecido al currulao , aunque la presencia de los
tambores en el abozao no es tan marcada, y la composición es más
melódica.
La
palabra Abozao proviene de "boza", cuerda para amarrar las
embarcaciones de un muelle. Así que abozar es amarrar con bozas,
símbolo que no parece alejarse del sentido de la danza. El abozao es
quizás el ritmo más popular en la zona central del Chocó, donde se
ha diversificado, adquiriendo distintos matices.
La
melodía, a su vez, posee un corte tradicional muy rico en
sugestiones sonoras que los músicos reiteran intencionalmente para
estimular la fiesta. El abozao es un toque para bailar, pero los
celebrantes suelen animarlo con gritos y exclamaciones en forma de
tejido melódico que se ponen al servicio de la marcación rítmica.
La resbalosa o refalosaes una danza sudamericana de origen peruano, vinculada a la zamacueca ,
que se extendió por Chile y Argentina en la primera mitad del siglo
XIX.Se
baila con pañuelo y paso básico común. Posición inicial: firmes,
enfrentados. Comienza con el pie izquierdo. Media vuelta con pañuelo
extendido, zigzagueando levemente por la derecha. En el comienzo los
pañuelos van extendidos, a la altura de la cara, inclinándolo a
cada paso; se enfrentan en el centro, y luego se detienen brevemente,
saludándose. Prosiguen el avance en arco, y dándose el frente, se
saludan, el caballero sujetando el pañuelo con una mano y la dama
sujetando el suyo cruzado sobre la pollera, con ambas manos.
Zapateo
con pañuelo en mano derecha, al costado y zarandeo con pañuelo en
la misma posición anterior.
Media vuelta, similar a la primera.
Zapateo
y zarandeo como en la primera ocasión.
Cuatro
esquinas, con castañetas, por la derecha, con saludo en cada una de
ellas: en el tercer compás avanzan uno hacia otro y se saludan, con
una inclinación; en el cuarto retroceden y se saludan.
Media
vuelta, con pañuelo extendido. Avanzan uno hacia otro, zigzagueando
y moviendo los pañuelos extendidos; en el tercer compás, unen a
éstos en el centro, formando una especie de cruz. y así, dan en el
centro una vuelta entera por la derecha, separándose sobre el final,
en que se coronan, pasando el caballero su pañuelo extendido por
detrás de la cabeza de la dama, llevando la dama el suyo extendido a
la altura de sus ojos.
La
segunda parte es igual que la primera.
Indumentaria:
Conforme
con las distintas épocas y lugares, desde 1871 en adelante la
pollera femenina se alarga hasta el pie, sin dejar de ser ancha,
aunque esto ocurre, fundamentalmente, para festejos o para cabalgar o
aún para "dentro de casa".La camisa, arriba, es cubierta
por una blusa, generalmente de tela muy liviana, con adornos en el
frente o pechera (lacitos, tablas, bordados) y mangas largas, por lo
común casi ceñidas al brazo.Sobre la blusa o vestido de cueca y la
chaqueta, con o sin faldeta completa, a veces acuchillada, también
solía tener ciertos adornos en la pechera.Cada
vez se usan más las medias para
lucirse.
Hacia fines del siglo XIX la falda se angosta considerablemente. Se le
ponen piezas superpuestas y se le da un corte que acentúa el perfil
de los gluteos . Se tiende a afinar la cintura y llegan los corsés y
otros medios ortopédicos o supercherías de la moda creados en los
centros más sofisticados del mundo occidental. En el peinado también
hay cambios y el o los moños, el cabello levantado adelante, van
desterrando a las trenzas y pautando los gustos a la moda. La calidad
de las telas, los bordados, etcétera, dependerán de la situación
económica de la usuaria.
El carnavalito es un baile y música tradicional que se bailó en America desde antes
de la llegada de los colonizadores europeos; ha perdurado y hoy sigue
practicándose en el Norte de Argentina (especialmente en Jujuy y
zonas aledañas de Salta), en la zona occidental de Bolivia, pero
con determinadas figuras de otras danzas incluidas por el paso del
tiempo. También se baila en el norte de Chile y en partes de Perú,
como Arequipa y Cajamarca. En Argentina, se baila en gran parte del
Norte Argentino.
Es
una danza de conjunto, es decir, se baila en grupo y con varias
parejas, que realizan coreografías al compás de la música. Los
danzantes se mueven en torno a los musicos o en hilera. Una mujer o
un hombre con un pañuelo (o banderín adornado con cintas) en la
mano se encarga de dirigir. Todos cantan la misma copla o entrecruzan
improvisaciones.
Las
figuras son la rueda, la doble rueda, la hilera de itinerario libre y
otras. Es común el trote, larga fila que forman de a dos bailarines
tomados del brazo. Se destacan "el puente", "las alas"
y "las calles".
El sirinoque o serinoque es
un género del folclore tradicional canario, presente en la isla de
La Palma, y que se enmarca dentro de lo que se conoce como folclore
de tambor.
Es un género al que se le atribuye un orígen precolonial, basándose
en la etimología del nombre (sirir-nek,
es decir, "tu baile", o sirir-noqque,
"baile del gusano"), su apariencia primitiva, la entonación
al cantar y las similitudes de los pasos de baile con las danzas
precoloniales descritas por los cronistas.
El
rítmo es marcado por el tambor , generalmente tocado por el mismo
cantante. En ocasiones se utiliza, en vez de tambor, cualquier
instrumento de la vida cotidiana como percusión. Otros instrumentos
presentes en ocasiones en el sirinoque son la flauta y las
castañuelas o castañetas.
El baile, caracterizado por sus taconeos, se desarrolla en forma de dos
filas enfrentadas, una de hombres y otra de mujeres que se cruzan.
El
baile es interrumpido cuando comienza la segunda parte del sirinoque:
los juegos de relaciones, interpretados generalmente por los propios
danzantes. Las relaciones son estrofas, muchas veces improvisadas, en
las que varias personas se enfrentan o retan, tratando de crear rimas
ingeniosas para superar los ataques del rival. En ocasiones los
juegos de relaciones tienen un contenido "picante", con
alusiones sexuales.
El zorcico
es un ritmo típico de baile popular tradicional vasco-navarro, en
España y sur de Francia, aunque también es utilizado como ritmo
para acompañar melodías cantadas. Es una de las danzas del
aurresku o Danza
Real.
Aunque existen variantes en compás de 2/4 y de 6/82 el zorcico más
habitual se escribe como un compas de 5/8 (cinco por ocho, o cinco
octavos), en el que el compás tiene tres partes de distinta duración
. La primera parte corresponde a una corchea y las dos restantes a
sendas negras.
El
instrumento típico utilizado para ejecutar los zorcicos es el chistu
con el tamboril . Algunas teorías describen el zorcico como una
evolución de un compás de 3/4 deformado por los músicos con
intención de seguir los pasos de los dantzaris (danzarines de la
música tradicional vasca).
Aunque
su origen y difusión es totalmente popular, algunos autores como
Isaac Albeniz o Aita Donostia lo han utilizado también para crear
obras para banda , orquesta sinfonica o piano . Especial atención
merecen los zortzikos de Pablo de Sarasate, como el 'Capricho Vasco',
donde el violín imita mediante armónicos el sonido del chistu.
El
Tinkues
un ritual y una danza folklorica de Bolivia. El significado de la
palabra Tinku en quechua es "encuentro" y en aymara
significa "ataque físico". Es necesario mencionar que no
debe confundirse la Danza
del tinku, que es de reciente creación con el Ritual
ceremonial del tinku, que es de origen prehispánico.
El tinku es
un ritual preincaico que se practica anualmente durante varios días
en las comunidades de la región del norte del departamento de Potosi y
en el sur del departamento de Oruro en Bolivia. El tinku es
originario de la región en que habitan los laimes y jucumanis
(comunidades quechuas), situada en la zona anteriormente mencionada.
Es practicado como un rito ceremonial mezclándose con la costumbre,
filosofia y religion de los pueblos originarios para su devoción
mística. Dentro del Tinku también hay música y danza. Los
combatientes entre los que se destacan los “Warakkaku” y
“Makhanaku”, quienes se enfrentan cuerpo a cuerpo desarrollando
sus diferentes técnicas de pelea varonil en un ambiente guerrero.
Según cuenta una leyenda, uno de los combatientes que ha sido
vencido debe derramar su sangre con abundancia como un sacrificio u
ofrenda, esto, para la madre tierra, conocida comúnmente por estas
comunidades como la pachamama, para que en ese año la cosecha sea
abundante.
El rito ceremonial constituye un combate entre comunidades que se
efectúan en entre varones, mujeres “Imilla wawas” (mujeres
solteras) y niños de ambas comunidades. Los enfrentamientos
corresponden a un ordenamiento social establecido. Generalmente las
peleas son de uno contra uno, pero muchas veces el excesivo consumo
de sustancias alcoholicas como la chicha lleva a peleas en conjunto,
las que pueden causar graves heridas y hasta muerte.
Últimamente las
peleas están siendo controladas y vigiladas por un arbitro, que son
las autoridades máximas de estas comunidades; el
Cacique y el Alcalde Mayor.
En los últimos años con la presencia de la policia y vecinos que
organizan su “policía civil”, han controlado mejor la violencia
que ocurre durante el evento. El uso de piedras han sido prohibidas
con multas económicas. Armas típicas tradicionales de los incas
como los boleadores, azotes, lazos están prohibidas. Aun así sigue
siendo el tinku violento y sangriento. Los heridos muy pocas veces
acuden al médico para que les curen sus heridas.
La Vidala es una forma popular folclórica de canción, generalmente se
la acompaña con guitarra y caja. Posee características musicales
muy particulares y antiguas. Sus melodías reciben también el nombre
de Yaraví, en Jujuy. Aunque son similares, no debe ser confundida
con la vidalita.
Su
zona de dispersión comprende toda la región llana de Tucumán,
Santiago del estero y las provincias colindantes, descendiendo por el
oeste hasta la Rioja y San Juan y subiendo hasta territorio
Boliviano. Cada zona presenta diferencias respecto de las demás.
Se
entonan sobre todo durante el carnaval y constituyen el repertorio de
las comparsas de disfrazados.
La
forma de estas composiciones está condicionada por el texto; en
ellas se presentan coplas solas, quintillas o sextillas y más a
menudo coplas con estribillos intercalados, a los que a veces se
agrega una trova.
Se distinguen varios grupos de melodías, según sus determinadas
escalas: los antiguos modos de RE y FA, la escala Bimodal, con cuarta
aumentada, con cuarta justa o con ambas alternadas, con la
Tetrafónica y la Pentatónica, o escalas híbridas con mezclas de
estas ultimas con europeas, modernas y antiguas. La más constante es
el acoplamiento de terceras paralelas, (excepto en las vidalas
tetrafónicas y pentatónicas).
En
cuanto al acompañamiento de las vidalas, es regla que estas lleven
percusiones de caja o tambor siguiendo el ritmo del canto, se agrega
muchas veces la guitarra que produce acordes arpegiados o rasgueados.
En Catamarca, según Carlos Villafuerte, la vidala es la canción mas auténtica de la gente del pueblo. Se acostumbra cantarla en las fiestas o cuando se realiza algún trabajo. Cuando se hallan de fiesta, hombres y mujeres forman un circulo colocándose alternados y echándose los brazos al cuello. En el centro del círculo se coloca el que toca el tambor para acompañar el canto. A éste se lo llama cajero. Uno de la rueda dice una copla y todos la cantan balanceando el cuerpo al compás del tambor. A este balanceo se lo llama chulanchar. Después de cantar los versos agregan un estribillo. Así continúan hasta que todos hayan echado su copla, que se canta con el mismo estribillo.
El Wititi, también conocido como Wifala o Witi
Witi, es una danza originaria del Distrito de Tapay en la
provincia de Caylloma (Arequipa-Perú). La danza es ejecutada por
personajes denominados «wititis», «witites» o «witi witecs» y
se ejecuta tradicionalmente en el área geográfica del Valle del
Colca.
Fue declarada Patrimonio cultural de la Nación el 14 de Julio del
2009 por el Instituto Nacional de Cultura de Perú.
La danza del "Wititi" (Witi Witi) es
originaria del actual distrito de Tapay, provincia de Caylloma,
departamento de Arequipa-Perú. Esta danza ahora se ha extendido y se
baila en las fiestas patronales de muchos pueblos del Cañón del
Colca. Realmente la Danza se llama WITI WITI, que en Idioma Quechua
significa "Hacer el Amor", por tanto el que lo baila se le
llama Witi Witec o Wititi(s) aquel bailarín wititi que quiere hacer
el amor por intermedio de la danza del witi witi, pero que por la
facilidad del término se ha conjuncionado en "Wititi"
confundiéndose con el término Aymara Wititi. Witir en quechua
significa "penetrar,introducir,meter",se debe considerar
siempre a esta danza,de índole jocoso,carnavalesco,artístico y muy
erótico-romántico.
Baakisiimba, Nankasa, Muwogola es una danza popular Baganda tradicional que se originó en el palacio del rey de Buganda, que está cerca del Lago Victoria, en el que se encuentra la casa de Nalubaale, la esposa de Lubaale, uno de los dioses de los baganda. Un antiguo rey (kabaka) de Buganda disfrutaba mucho con la cerveza local, tonto omwenge. El Tonto se hace con plátanos, y el nombre se toma de la palabra tontomera que significa "No me golpea". En una reunión, este rey bebía demasiada la cerveza y se sentía muy feliz. (En Buganda, es un tabú decir que el rey bebe, se puede decir solamente que el rey está muy contento. Entonces el rey comenzó a alabar a la gente que había hecho la cerveza, diciendo abaakisiimba, lo que significa "los que plantaron los plátanos ", ybebaakiwoomya", "delicioso".
Los músicos en esta reunión crearon un ritmo abaakisiimba que imitaban las palabras del rey, que estaba tan feliz y relajado que empezó a moverse y bailar. Mientras los músicos imitaron las palabras del rey de los tambores, las mujeres imitaron los movimientos del rey, que finalmente se convirtió en una danza que se realiza ahora en toda Buganda. Hay tres grandes movimientos en esta danza: la primera es Baakisiimba, el segundo es Nankasa, y el tercero es Muwogola.
La danza agbadza proviene de la danza guerrera conocida como atrikpui.Los ewe la practican en todo tipo de acontecimiento social con la participación de todas las personas indistintamente de la edad o el sexo. La danza suele comenzar con canciones de caracter religioso y en recuerdo de los antepasados. En ocasiones, forman parte tambien canciones con menciones a acontecimientos de actualidad, o hechos históricos, o expresándose el pensamientos moral o filosófico del pueblo ewe.
Bailes de candil, antigua fiesta campesina andaluza y extremeña de baile en la que, aunque participaba principalmente la juventud, se hacía presente ‘la comunidad’, bien a través de las madres de las chicas que acudían, o bien –en el caso de las fiestas importantes- a través de algún personaje principal del pueblo o barrio, que asumía el papel de autoridad para dirimir posibles conflictos de orden. A principios del siglo XVIII se empieza a denominar a estas fiestas populares, así como a su música y aires bailables, como fandangos.
Características Los bailes de candil son fiestas especialmente ritualizadas, tanto que podemos trazar una serie de características que, salvando las variaciones de época y lugar, se repiten una y otra vez. Las ‘constantes’ de dichas fiestas son: La ocasión en que tenían lugar:
Las celebraciones festivas de la localidad o bien las largas noches de invierno, cuando la faena de trabajo en el campo era poca y la diversión escasa. El lugar de la reunión:
Cuando la fiesta se celebraba con ocasión de una festividad local, el lugar solía ser al aire libre, en una plaza o en un patio de vecinos que diera cabida a toda la comunidad que participaba. Se disponía de la habitación más espaciosa de una casa particular, la de uno de los participantes en el baile, o más exactamente la de los padres de uno de los jóvenes interesados en organizarlo.
La autoridad de las fiestas:Siempre hacían acto de presencia personas ‘respetables’ que debían controlar las reuniones de los jóvenes. Al menos se hacían presentes, por lo habitual, las madres de las chicas que acudían, que aunque no llegaran a bailar, vigilaban al tiempo que charlaban entre sí. En las fiestas especialmente ritualizadas (las de festividades locales) suele aparecer un personaje como presidente de la fiesta, alguien relevante socialmente, el alcalde de barrio. A veces el cura acompañaba y jugaba también este papel. Cuando surgían conflictos, actuaban como autoridad de apelación y en principio su decisión era respetada por todos. La petición de pareja:
La ‘finalidad’ principal de estas fiestas, admitida por todos, era la de entablar relaciones de amistad entre jóvenes de distinto sexo, junto con la diversión y la relación social. La manera de sacar un hombre a una mujer a bailar tenía sus convenciones, que variaban de un lugar a otro. Una de las más extendidas era dirigirse a la chica y pedirle ‘por favor’ bailar con él. La mujer no debía negarse inicialmente, pero si el joven no era de su agrado, ella se retiraba una vez bailadas una o dos coplas. Si mientras bailaban, un tercero quería entrar a bailar, debía dirigirse no a la mujer sino al hombre, y éste debía acceder y retirarse. Si la mujer iba a gusto con el nuevo pretendiente, seguía. Si no, de nuevo declinaba. La iniciativa pues, era del hombre pero las decisiones ‘últimas’ de la mujer. El abrazo ritual:
Era práctica muy extendida que al final de cada sesión de coplas, cada bailaor tuviera derecho a dar un ‘abrazo ritual’ a la bailaora con la que hubiera bailado. Éste no solía pasar de un estilizado poner los brazos sobre sus hombros, o algún gesto similar. Cuando el abrazo era más efusivo de lo que la convención mandaba, ‘la comunidad’ llamaba la atención. El desenlace variaba, desde la provocación de risas e hilaridad en los mejores casos, hasta las peleas a navajazos e incluso muertes. Niveles intermedios eran el intercambio de frases más o menos fuertes, o la expulsión, por parte de ‘la autoridad’ de algún díscolo en el sentir de todos.
Es una danza tradicional inglesa que por lo general va acompañado por música y que formaba parte antes de las procesiones y otras fiestas que celebraban sobre todo el mes de mayo. Se basa en la rítmica y la intensificación de la ejecución coreográfica de un grupo de bailarines. Implementa instrumentos como palos, espadas, pañuelos, aunque también puede ser ejecutada por los bailarines sin estos elementos.
Un baile de Morris es un tipo de danza folclórica Inglés, por lo general acompañados por la música, y sobre la base rítmica paso a paso y la ejecución de las figuras con coreografía de un grupo de bailarines, a menudo utilizando instrumentos tales como palos, espadas, y pañuelos.
Una de las escasas muestras de expresiones festivas populares es el Morris Dancing, una colorista danza popular en la que danzarines vestidos vistosamente dan brincos agitando unos palos y haciéndolos chocar.
Orígenes
Hay controversia respecto de la antigüedad de este estilo de baile, algunos alegan que los registros de danza morris se remontan a 1448. Otros, le asignan un origen berberisco y así el nombre derivaría de "moorish dance", que podría derivar a Morris Dance. Otra explicación más simple es que "Morris" proviene del término latín mores que significa "vestido".
Se vincula con las moresques descritas por Thoinot Arbeau en su Orchésographie en 1589.
Estilos
Actualmente hay varios estilos diferenciados de Morris:
Cotswold, North West, Border, Longsword dancing, Rappe y Molly Dancing.
La etimología
De la palabra Bharatanatyam tiene varias teorías. Una de ellas es que proviene del nombre del autor (Bharata Muni) del tratado sánscrito sobre artes escénicas Natya Shastra, que también se le llama el quinto veda en su referencia a la fundación de la religión hindú y su filosofía; y aparte, hay otra teoría popular en el que se cree que la palabra viene de:
bha de bhava o abhinaya:
expresión
ra de raga: melodía
ta de tala: ritmo Técnica
Se compone de:
Abhinaya o Natya - El arte dramático-narrativo
Nritta - Movimientos de danza, que actúan como un medio de descripción visual de los ritmos.
Nritya, o combinación de abhinaya y nritta
Los Karanas son los 108 movimientos transicionales que marcan el Bharatanatyam y otras danzas clásicas de India.
La mayoría de esto 108 karanas tienen una pose estática que actúa como eje central. Se supone que el artista debe pararse y mantenerla durante un período concreto de aproximadamente medio segundo
Un rasgo característicos del Bharatanatyam es el uso de los gestos de la mano como medio de comunicación. Los son precisamente esos gestos, que se usan exhaustivamente y están bien catalogados.El Hasta Anjali, por ejemplo, suele usarse como señal de saludo.
Los Adavus son series de pasos establecidos, y su ejecución varía enormemente de un estilo a otro. La mayoría de las escuelas reconocen 108 Adavus básicos, mientras que otras aumentan esta cifra hasta los 150. Pocos bailarines profesionales usan más de 60. Una combinación de Adavus se denomina Jathi, generalmente desarrollados en las partes Nritta de un ejercicio Bharatanatyam.
Las técnicas de Bharatanatyam incluyen otros movimientos, como complejas desplazamientos de cuello, cabeza y ojos. Abhinaya Darpanam definió un total de 9 movimientos de cabeza, 4 de cuello y 8 de ojos que se usan a lo largo de todo el baile.
Los orígenes del Bharatanatyam provienen del Natya Shastra escrito por el sabio hindú Bharata Muni (c. 400 E.C. - 200 E.C.). En tiempos antiguos fue practicado en los templos de Devadasi. Muchas de las antiguas esculturas de los templos hindúes se basan en las posturas de la danza Bharatanatyam, puesto que el Bharatanatyam viene a ser la representación terrenal de la danza de las Apsarās, las bailarinas celestiales. En el sentido más esencial, una deidad hindú es un ser venerado en su templo/residencia, al cual se ofrece un conjunto estándar de servicios religiosos llamados Sodasa Upacharas ("Dieciséis hospitalidades") entre los que se encuentran la música y la danza, agradables a los sentidos. Por lo tanto, muchos templos hindúes tradicionalmente mantienen complementos de entrenamiento musical y dancístico, al igual que los gobernantes indios.
El Bharatanatyam como forma de danza y música carnática está profundamente basado en el Bhakti.
Se dice que es la encarnación de la música en forma visual, una ceremonia y un acto de devoción. La danza y la música son formas inseparables: sólo con Sangeetam, la danza puede ser conceptualizada.
Ideas esenciales
Bharatanatyam se considera una danza del fuego, una manifestación mística del elemento fuego en el cuerpo humano. Es uno de los cinco mayores estilos (uno por cada elemento), que incluye el Odissi (elemento agua) y el Mohiniyattam (elemento aire). Los movimientos de un auténtico bailarín de bharatanatyam se asemejan al movimiento del danzar de una llama. Actualmente, el bharatanatyam raramente es practicado como Natya Yoga, una tradicional meditativa sagrada, salvo por muy pocas escuelas ortodoxas.